NAU NUA: CHARLIE ANDERSON

Muestras de vida

Portrait Charlie Anderson © Stephen Busken, 2012

Charlie Anderson busca una respuesta sobre la cuestión de la creación artística identificándola con el hecho de la existencia misma. A partir de trozos de viejas revistas, folletos y tarjetas postales, crea una nueva pieza de arte, pero no como una forma de collage, combinando los pedazos, sino pintando su retrato en una nueva combinación. Les da un nuevo propósito y de alguna manera una nueva vida aportando también su personal nueva luz a la cuestión principal de la creación artística. Ganador del premio British Airways travel prize en 2009, ha sido preseleccionado para los Jerwood Contemporary Painters en 2010, y fue galardonado con el premio Meyer Oppenheim prize de la Royal Scottish Academy del mismo año. Su trabajo de sampleo de piezas antiguas para crear algo nuevo es sólo el comienzo en la carrera artística del joven artista Charlie Anderson cuyos frutos se muestran en la exposición No one gets out alive.

¿Por qué nadie va a salir vivo?

A menudo, al hacer el trabajo yo me pregunto por qué es arte exactamente lo que estoy haciendo, y cuál es el propósito del arte. Para la exposición decidí hacer pinturas con imágenes de revistas encontradas, postales, artículos de colección, artículos de recuerdo y flyers. Algunas de estas cosas tuvieron valor para alguien alguna vez y otras son kitsch barato, pero todos comparten el mismo destino de descarte, por lo que reuniéndolas en pinturas supongo que los estoy glorificando en cierto modo, explorando la diferencia (o la falta de ella) entre ellos y la historia de cómo las imágenes llegaron a existir. Supongo que el título se refiere a la naturaleza transitoria de las cosas, a la vida en general, y en última instancia a las pinturas que he hecho, que no van a durar para siempre.

Cine, música, televisión, publicidad, arte que proviene directamente de la cultura popular, la combinación de imágenes con texto tomado de la publicidad. ¿Qué proporcionan todos estos elementos a tu lenguaje artístico?

Por un lado, son simplemente formas y figuras para pintar que son fácilmente accesibles y personales para mí, y el proceso de pintarlas es lo que las convierte en fundamentales para mi práctica. Por otro lado esta manera de combinar las imágenes es mi manera de ejercer mi comprensión de la vida diaria. Como he mencionado anteriormente una de las cosas que trato al hacer pinturas es conocer el propósito de hacer arte, y qué es buen arte. Esta idea se cruza con otros aspectos de la vida, así que juntar todas estas imágenes quizás aclara estas preguntas y hace más abierta la discusión.

Tu trabajo tiene también un estilo urbano. Podemos ver un montón de carteles rotos pegados unos sobre los otros simplemente caminando por una ciudad pero, obviamente, tu obra tiene una dimensión más profunda y personal. En primer lugar, volver a crearlo mediante el uso exclusivo de la pintura con lo que el efecto sobre el espectador es completamente diferente. ¿A dónde quiere conducir al espectador?

Supongo que la razón de la creación de pinturas de este tipo es reflejar la naturaleza desechable y transitoria de las cosas que pinto. El tema general proviene de las cosas que he encontrado, revistas, folletos, anuncios, etc, y supongo que pintándolas voy a abrir la cuestión de por qué existen, en primer lugar, cuál era su propósito, y crearles un nuevo uso con la pintura. Una vez más creo que plantea paralelismos con la vida diaria para mí. Finalmente creo nuevas preguntas para el debate con unas pinturas que ofrecen una comprensión directa.

Es muy interesante la idea de crear una pieza completamente nueva que representa fragmentos de imágenes rotas, a veces icónicas. ¿Es una señal de esperanza?

Yo diría más bien un signo de optimismo o ingenuidad dichosa que de esperanza. Trato de hacer pinturas que se mantengan fieles a mis valores y razonamientos.

El uso de imágenes de la cultura popular me recuerda a la portada de algunos discos de los Sex Pistols como Anarchy in the UK o God save the Queen, todos diseñados por Jamie Reid. ¿Qué tienes en común con el movimiento punk?

Yo era más bien un chico de los noventa y escuchaba mucha música big beat. Así que de alguna manera que parece bastante relevante, al igual que muchos de esos músicos sampleaban otras canciones o hacían referencias a la cultura pop en su música. Las imágenes asociadas con los llamamientos del movimiento punk, debido a su enfoque directo al postmodernismo supongo, literalmente, toman algo existente y hacen algo nuevo a partir de ella. Me encanta la naturaleza rápida y casi agresiva de esta cultura, proyectan emoción y te puedes imaginar cómo se sentían al hacerlo. Es una forma de arte sin concesiones de una manera con la que me puedo identificar.

Warhol, Lichtenstein, Rauschenberg. El arte pop, el arte culto, ¿hay algún límite entre ellos?

Siento como si ya no lo hubiera, ese movimiento abrió tantas puertas en el arte que ahora todo parece caber bajo el mismo paraguas.

El componente estético es muy fuerte en tu trabajo. ¿Es uno de tus objetivos o una consecuencia de tu lenguaje personal?

En parte, se reduce a la materia, y eso es una cosa muy personal. Cuando estaba en la universidad también fue una reacción a la abundancia de arte conceptual, y como pintor que quería crear algo visualmente impactante. Comencé a hacer obras masivas de las cosas que he disfrutado en la vida, y he ido desarrollándolo a partir de ahí. Ahora está tan arraigado en mi proceso que tiende a ocurrir sólo en las pinturas.

Si te pedimos que rompas algo, ¿qué elegirías?

Mi PC.