Una luz para el alma
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| Foto de Thomas Nitz |
"La luz es
esencial para mi alma , soy como una planta ..." Ulrike Haage nació
en Kassel, Alemania, cerca del río Fulda, y creció escuchando la colección de
discos de jazz de sus padres mientras aprendía a tocar el piano. Artista
sonora, pianista, compositora , con los años ha desarrollado una carrera
musical muy ecléctica que comenzó siendo tan sólo una adolescente tocando la
guitarra y componiendo canciones en una banda de garage, además de tocar el
piano clásico y explorar la improvisación. En su mente, los sonidos de
Thelonious Monk, Stravinsky o King Crimson siempre se experimentaron a partir
de una profunda y muy especial curiosidad, siempre en busca de nuevos sonidos,
nuevos espacios, nuevas formas de expresión , tan esenciales para su arte como
la luz que necesita para su alma. A mediados de los ochenta, creó la banda alemana
de jazz
Reichlich Weiblich y trabajó en la obra de teatro Andi junto a Peter Zadek. Entonces conoció
a Frank -Martin Strauß, más conocido como FM Einheit, percusionista del influyente
grupo de rock industrial Einstürzende Neubauten, y se unieron a Vladimir
Estragon, un grupo creado por el artista multimedia y músico multi-instrumentista
Alfred 23 Harth. Como resultado de sus magníficos espíritus experimentales publicaron
a finales de los años ochenta el álbum Three
Quarks for Muster Mark pero el proyecto murió pronto y Ulrike Haage
continuó desarrollando su especial universo creativo especial. Música para
películas de ficción, documentales, danza , obras para radio y teatro, así como
música para niños en su reciente álbum Flügel
und Katze, nos muestra que su música no tiene fronteras, como reza el
título de uno de sus últimos discos en solitario In: finitum (2011, Blue Pearls Music) en el que podemos descubrir
cómo trabaja el minimalismo como una actitud de vida, dando al silencio algo
del espacio que está perdiendo en nuestra vida diaria . Como ella dice "un solo tono tiene que tener la
expresión de toda una orquesta".
¿Qué hay detrás de tu In: finitum?
¡Música!
Buena música, escucharla. Disfrutarla .
A pesar de las influencias jazz de tus padres empezaste
tocando la guitarra en una banda de garage, ¿cómo fue?
Esto
fue en mi juventud y me sentí completamente bien . Yo estaba aprendiendo a
tocar la guitarra, estaba empezando a escribir canciones y trabajaba con mis
amigos en sus primeras bandas. Intercambiábamos nuestras visiones y por
supuesto queríamos convertirnos en músicos famosos. Además estaba empezando a
tocar el piano clásico y en paralelo me expresaba mediante la improvisación en
las claves de este fascinante instrumento. A veces nos reuníamos los sábados
después de la escuela para escuchar juntos nuestras colecciones de discos de
vinilo. Así es como llegué a conocer a King Crimson y me enamoré de los
baterías en general. Estas sesiones eran muy excitantes, porque siempre había
música nueva para descubrir y discutir.
Más tarde, tomando el nombre de un personaje de
Beckett, formaste la banda Vladimir Estragon junto a FM Einheit, Alfred Harth y
Phil Minton lanzando el poliédrico álbum Three
Quarks for Muster Mark. Jazz, rock, electrónica e incluso reminiscencias de
ópera. ¿Por qué fue un proyecto tan efímero?
Este
proyecto fue creado por Alfred Harth quien me pidió que me uniera. Dijimos que cada
uno podría llevar a otro compañero. Yo traje a FM y él trajo a Phil. Así es
como formamos el cuarteto. Pero FM y yo estábamos especialmente ocupados en ese
momento con la Neubauten y los Rainbirds por lo que el tiempo de este cuarteto
fue ligeramente limitado. Además fue un hijo de aquella época. Un tiempo en el
que combinábamos Free Jazz, elementos industriales y Pop y abrazamos los
extremos en el escenario.
Y entonces los nuevos Rainbirds volaron . Recordando
el título de uno de vuestros álbumes, In
a different light (1993), ¿qué nueva luz aportaste al proyecto?
La
cantante y fundadora de los Rainbird , Katharina Franck, me pidió que me uniera
a ellos para tocar en los conciertos, grabar nuevos discos y componer. Creo que
aporté mi propio cosmos a la banda, más teclado, por supuesto, diferentes
armonías y colaboraciones con cuerdas. Propuse por ejemplo una canción con
nueve violonchelos y la encantadora voz de Katharina y compuse los arreglos
(todos contentos). O propuse que en cada disco incluyéramos un tema
instrumental que contuviera elementos experimentales.
Has compuesto numerosas obras para el teatro y la
radio. ¿Qué te atrae de estos proyectos?
Supongo
que es el intercambio con otras formas de arte, el lenguaje y la expresión . Me
encanta trabajar con las palabras y los actores. Lleva consigo todo el mundo
del cuerpo como herramienta de trabajo. Producir para la radio significa
producir para una habitación sin imágenes. Desafía la imaginación y pide al
oyente participar. Como compositora me da una enorme libertad. Al menos ... la
tomo.
Teatro, radio y cine. A veces, probablemente en
demasía, los directores utilizan la música para enfatizar. ¿Cómo trabajas este
tipo de composiciones?
Depende
de los directores . Estoy trabajando mucho con directores de documentale , lo
cual es muy agradable. En general la música enfatiza las imágenes, es un hecho.
Se puede dar un gran poder a las imágenes. En primer lugar observo realmente la
película, la edición, la gente , el tema y trato de encontrar notas y claves y
marcas sonoras para la película , a partir de las cuales desarrollo las
composiciones.
¿Y en el proyecto del anillo, Ring?
Ring
fue un proyecto coreográfico maravilloso, con el que hicimos una gira por todo
el mundo . Era una pieza interactiva, donde la música, la coreografía y los
espectadores eran el motor del espectáculo. La parte del público estaba
impregnada con toques y felicitaciones de sus bailarines personales y la música
en vivo era principlamente electrónica lo cual facilitó nuestra manera de
reaccionar ante las diferentes situaciones en cada show! Cada final fue una
gran fiesta techno, nuestro propio y bastante sofisticado techno.
La pieza Nunatak se creó como un diálogo con las
pinturas de Anna- Eva Bergman. Creo que tu música es profundamente visual, al menos
esa es mi experiencia con tus composiciones especialmente las de los últimos
años. ¿Cómo te inspira la luz?
La
luz es esencial para mi alma, soy como una planta, me deprimo cuando el clima
es siempre gris - como casi siempre en Berlín. Y las pinturas abstractas de
Anna- Eva Bergman o Hans Hartung me inspiran, porque hay un montón de espacio
para pensar y desarrollar la imaginación en sus pinturas. Para componer
prefiero el arte abstracto al arte concreto, porque no impone nada en mí. La
luz y los colores en las pinturas de Bergman están muy sutilmente matizados como
su uso del oro y la hoja de plata.
Tu último lanzamiento es un dúo con Eric Schaefer bajo
el título For all my walking. ¿Podrías
hablarnos sobre el proceso de creación del álbum?
Eric
y yo estuvimos en Japón durante tres meses. Caminamos juntos en las montañas y
visitamos importantes templos budistas. Dimos algunos conciertos y viajamos a
ciudades como Osaka y Tokio. Durante este tiempo estudiamos los haikus de Basho
y Santoka. El resultado fue música que compusimos especialmente para nuestro Duo
y nuestros instrumentos, el piano preparado y el suiruon, un instrumento hecho
de cerámica, tocado como un xilófono con mazos.
Luego
escribimos un texto para acompañar nuestro concepto musical e invitamos a una
soprano lírica japonesa que canta y también recita las partes del texto. El
resultado se estrenó el primero de octubre de 2013 en la radio SWR y ahora será
publicado en mayo de 2014, como un CD, con el sello Sans Soleil. Se trata de un
CD musical muy personal.
Música, teatro, danza, cine, radio, pintura ...¿Qué es
el arte?
El
arte es todo lo que dirige nuestra percepción del día a día hacia algo más que lo previsible. Puede ser nuestro
propio lápiz, cuando no escribe una palabra, dibuja una línea.
¿Crees que la música de vanguardia se convertirá en clásica
algún día?
Para
mí ya lo es. Ya estamos en medio de otro tiempo.
¿La gente escucha música o consume música?
Strawinsky
dijo que la Radio mata a la música, porque empezamos a consumir en lugar de
estudiarla. No estoy de acuerdo, pues he descubierto una gran cantidad de
música a través de emisiones especiales que ampliaron mi horizonte. Creo que la
gente en masa puede ser perezoso y sólo consume dos minutos de cada pieza de la
nueva música, pero eso tiene probablemente que ver con el torrente de canciones
que salen a diario en nuestros días, cada hora en el mundo de ho . Es cierto
que la disponibilidad permanente de la música en canales como Spotify o Simfy
hace que las personas piensen que lo saben todo y pueden hablar de todo. Seguramente
esto no es cierto, pues debers profundizar en la música cuando se quiere saber
más. Y la experiencia en vivo de cualquier música sigue siendo imbatible.
¿De dónde viene tu minimalismo?
Esto
tiene que ver con mi historia. Yo crecí con el bebop, el cool jazz, todos estos
grandes músicos, que apenas quedan vivos, que tocaron su alma más allá de su cuerpo.
Con una gran cantidad de tonos. Tal vez por eso siempre he preferido a Monk o
Garner o Miles Davis a los demás. A veces me parecía excesivo. Decidí que un
solo tono tiene que tener la expresión de toda una orquesta. Trabajé mucho en
la articulación y el sonido de mi instrumento (el piano). Durante mi educación
clásica descubrí compositores como Moondog, Steve Reich y Philip Glass. Y me
encantaron sus primeras obras. Supongo que todo esto influyó en mi decisión de
ir en una dirección más minimalista.
¿Hay un exceso de ruido en el mundo?
Acabo
de impartir un seminario en la Universidad Leuphana de Lüneburg donde soy
además artista en residencia por un año. Se trataba de sensibilizar nuestros
oídos con nuestro medio ambiente y reflejar lo que oímos en nuestra vida día a
día. La cronología de mis temas también nos trajo al tema extremadamente moderno
de la ecología acústica y cómo los lugares de silencio desaparecen rápidamente.
La discusión era interminable, pues primero tienes que abrir los oídos y darte
cuenta de lo que escuchas antes de poder decir qué es el silencio, qué esel
ruido y lo que se necesita para estar menos perturbado por el ruido con el fin
de disfrutar de los sonidos del silencio.
¿La vida es un lamento?
¿Estás
citando la canción " Lament " que escribí tras la muerte del pianista
Esbjörn Svensson? A veces las cosas nos tocan muy profundamente. Y la respuesta
a estos sentimientos puede ser una pieza de música, un réquiem, un lamento, ¿no?
Mucha de la música más grande se ha creado a partir de una profunda conmoción,
tanto positiva como negativa.
¿Podrías contarnos un sueño?
¿Una
de verdad o un deseo? Mi mayor sueño es que la gente utilice los logros del
"siècle de Lumière" para tolerarse y apreciarse unos a otros en la
tierra y convirtamos el planeta en un lugar inteligente, libre y creativo donde la mala gestión de los
beneficios por codicia, los politicos fríos y monstruosos, como Jean Ziegler
dice, fueran perseguidos por la ley. Cito el Four Freedom Speech de
Roosevelt de 1941 : La gente debe disfrutar
de la libertad de palabra y de expresión - libertad de culto - libertad de
la necesidad- libertad del miedo.
Ulrike Haage | Vídeos aquí
Una entrevista de Juan Carlos Romero
Ulrike Haage website www.ulrikehaage.com
Fotografáa de Thomas Nitz cortesía de Ulrike Haage
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