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NAU NUA FESTIVAL
PARIS PHOTO 2012
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WHO MAKES ANITA SHAKE!
Mucho más que agua
Tres miembros con más de un 70% de agua forman Who makes Anita shake! O al menos eso es lo que ellos dicen. Este grupo francés acaba de lanzar un EP de debut llamado Cinecittà junto con un único vídeo con el mismo título que ha sido aclamado por la crítica. Ahora, Antoine, Clément y Amaury nos presentan el video en vivo Oh I have been stupid en el Festival Nau Nua con el que podemos disfrutar de sus atmósferas de ensueño, sus melodías aderezadas con sintetizadores, guitarras y ecos de la calle. Who makes Anita shake! son una eterna pregunta sin respuesta, una experiencia que abarca sonidos pop y electrónicos con el fin de sacudir sus mentes y las nuestras, por supuesto. Magníficas canciones pop como Charlie y Off the lights son sólo el comienzo de algo muy especial que está por venir.
¿Quién hace temblar a Anita?
¿Por qué os inspirasteis en Cinecittà?
De alguna manera, llegó a nuestro estudio una postal de la entrada de la città del cine ... y tenemos la costumbre de nombrar las canciones en una etapa temprana de su desarrollo, mediante la búsqueda de palabras escondidas en la habitación estamos. Un título tiene una gran influencia en la forma en que una audiencia percibe una pieza de música ... en nuestro caso, también pueden participar en la construcción de la propia música, aunque nunca responden a una influencia literalmente: para Cinecittà, queríamos elementos sonoros como cuerpos flotando en el mar, a través de una película, o entre una multitud.
¿Podríais hablarnos de vuestro proceso de creación de las canciones?
Nos inspiramos mucho en la vida cotidiana. La belleza de tocar música juntos reside en la puesta en común de nuestras respectivas experiencias a través del sonido y a través de los demás. La canción que presentamos en nuestro video de Nau Nua, Oh I have been stupid, ilustra nuestro proceso creativo bastante bien: Antoine había hecho por sí mismo el mantra que se escucha en la canción y se utiliza para la repetición en bucle cuando suena el ruido de las calles y el metro. La banda se convirtió en un canal para liberar y expresar este nuevo material: Amaury extrajo nuevos ritmos del mantra (empezando por la colocación de golpes de tambor en las consonantes como se puede oír), Clément añadió más melodías por encima e hizo un colchón de sintetizadores para que todo el mundo pueda relajarse. Fundamentalmente, nos gusta pasar tiempo juntos... la banda se ha convertido para nosotros en algo entre una fiesta en una casa increíble y una terapia de grupo al aire libre.
¿Qué es lo que ves al apagar las luces (Off the lights)?
¡Se ve mejor! Es una oportunidad para inventar más lugares e historias y saber más acerca de uno mimos, como en una obra de la radio.
¿Qué sucederá cuando llegue Charlie?
Él dijo que enviaría una postal cuando llegara, así que espero que podamos empezar a trabajar en una nueva canción. Ah, ¡y el mundo se acabará!
¿Cómo describirías vuestro sonido?
Nuestra música es una disposición de notas tocadas una tras otra, y audazmente colocadas dentro de un espectro de frecuencia que con suerte va de 20 Hz a 20.000 Hz ... ¿Suena evasivo?
Sí, suena evasivo. ¿Cómo veis vuestro futuro?
¡Viajando! Nuestro principal objetivo con este proyecto es llevarlo 'por todas partes'... A los tres nos gusta tener muchas actividades paralelas: lugares de reunión y personas nuevas, el trabajo interdisciplinario, es la mejor manera de inspirarse .
Si os encontrarais un barco abandonado en la playa, ¿qué haríais con él?
Lo llamaríamos Anita y lo empujaríamos al mar para que las olas y las corrientes lo sacudieran. Esto probablemente nos haría viajar más lejos... ¿O sería estúpido?!
Definitivamente no, no lo sería.
WHO MAKES ANITA SHAKE! VIDEOS aquí
Una entrevista de Juan Carlos Romero
Who makes Anita shake! website www.whomakesanitashake.bandcamp.com
Todos los derechos reservados
SUSANA NEGRI
Sonidos terrenales
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Susana Negri viene del corazón
del sur para hacernos entrega de unos sonidos terrenales que ella vive
intensamente. Del tango a la bossanova, la música de la América Latina cobra
nueva vida en su voz junto a su grupo Araca Quartet. Recientemente tocaron en
el Harlem Jazz Club dentro de la programación del Festival Internacional de
Jazz de Barcelona 2012. Artista polifacética, danza de la pintura a la canción
de la mano de sueños en cambio permanente de forma pero fieles a un mismo
fondo: su lugar en el mundo.
Pintura y música, color,
textura y sonido. ¿Qué te aporta cada elemento?
Yo soy una soñadora. Cada una de las disciplinas me
permite crear mi propio espacio, mi lugar en el mundo, me alejo del tedio, de
la rutina , de la muerte, me da alegría la música, conflictos, también la
pintura. Es mi mundo. Cada una de las cosas que hago me ayuda a ser quien creo
que el creador, la energía suprema, lo que se te ocurra que nos generó, quiso
que sea. Si me dejan...
Tango, bossanova, bolero. ¿Sólo
te mueve el romanticismo?
Pues ...sí. Más
que romanticismo, yo diría que me gusta la cosa visceral y apasionada de esos
estilos.
¿Por qué crees que son estilos
viscerales?
Porque los sentimientos transmitidos generalmente en la
música de Brasil y en el tango, lo son. Vienen de la música negra, de una
cultura muy terrena.
¿Cuáles son tus referentes
autorales?
Aunque parezca muy loco,además de la música de Chico Buarque
o Caetano Veloso, Eladia Blázquez, Astor Piazzolla, soy una fanática y profunda
enamorada de la obra del recientemente fallecido Luis Alberto Spinetta. Un
Dios.
¿Crees en Dios (Spinetta
aparte)?
Creo en algo así.
¿Cuál es el aspecto divino que
te seduce de Spintetta?
Su genialidad. Su poder de generar un estilo propio, de
ser referente para varias generaciones de sudamericanos. Su extrema delgadez,
su aspecto casi ascético daba enorme fuerza a su presencia. Era un intelectual
sencillo, amable.
¿Crees que el arte puede ser
profundo siendo amable?
Sí, aunque es difícil. En realidad asociamos, por alguna
extraña razón, lo profundo con lo tortuoso y doloroso y creo que es una
deformación, un rollo de la culpa y todo eso.
¿No cantas temas propios?
No. Me encantaría, pero no compongo. Hace tiempo creí que
podría escribir pero hay que hacer lo que se sabe y hay hermosos temas, algunas
musiquitas que se pueden hacer propias, traer a tu terreno, recrear. Es una
forma de dar nueva vida, no se trata de versionar sino de recrear y para eso
tengo un grupo maravilloso. Trabajamos mucho las canciones, las desarmamos y las
volvemos a llevar a nuestro terreno.
¿Cómo presentarías a Araca
Quartet?
Como un acto de fe. El sueño, afecto y mimo puesto al
servicio de un proyecto. Mis compañeros fueron un regalo. Dios me quiere.
¿Cítame algún verso de un tango
con el que te identifiques especialmente?
" La geografía de mi barrio llevo en mí,
será por eso que del todo no me fui
la esquina, el almacén, el piberío
los reconozco
son algo mío.
Ahora sé que la distancia no es real
y me detengo en ese punto cardinal
volviendo a la niñez desde la luz
teniendo siempre el corazón
mirando al sur"
Se llama Corazón al sur y es de Eladia Blázquez.
SUSANA NEGRI/ARACA QUARTET VIDEOS aquí
Una entrevista de Juan Carlos Romero
Susana Negri website www.myspace.com/susananegri2010
Todos los derechos reservados
METAMORPHOSES_
Identidades posmodernas
Hacia dónde no lo sé y tengo dudas de que lo pueda controlar. Simplemente, he hecho las paces con mi naturaleza posmoderna y mis múltiples identidades.
Precisamente es el título de una canción tuya con una sonoridad muy sugerente y misteriosa. ¿Cómo crees que solemos ver la idea del cambio, socialmente?
De forma esquizofrénica. Verbalizamos que el cambio es positivo porque nos proyecta hacia el futuro; por otra parte hemos desarrollado un profundo sentimiento de nostalgia hacia el pasado.
¿Quién o qué hay detrás de tu automat?
Un synth, la repetición/automatismo de las oscilaciones, el paralelismo con las obsesiones individuales. Un eterno retorno, en fin.
¿Qué te sugiere la oscuridad?
Intimidad, introversión, posibilidades de ser. Es un fluido. El día es acción, pragmatismo. Un sólido.
¿Cómo afrontas la idea del futuro?
Con una dosis de ansiedad. Tengo la percepción física del tiempo como recurso escaso.
Metamorphoses_ ¿nace de la colaboración o es puramente un proyecto en solitario?
Es un proyecto solitario. Una vuelta a la música tras muchos años. Una habitación para mí sola; el mundo y sus expectativas no caben en ese lugar.
¿En qué no quieres convertirte?
No quiero convertirme en un desierto. No quiero perder la inocencia.
Si te hablo de una nave desnuda ¿qué te sugiere?
Es la ausencia de límites físicos. Un barco hecho de la misma materia del mar.
Cinzia Palumbo ha creado una
metamorfosis donde caben todos sus sueños e ilusiones. La música de
Metamorphoses_ es sugerente como una puerta entreabierta por la que asoma una
luz cambiante a golpe de sensibilidad. De los nuevos rincones que nos enseñará
en el futuro tan solo podemos esperar experiencias espléndidas en forma de
canción. Nos presenta su Night, as it
disappears invitándonos a bailar con un coro de sombras chinas, juguetonas
y peligrosas, como todo lo que en la vida vale realmente la pena. El arte tiene
la capacidad de transformarnos, y las metamorfosis que ella vive y nos sugiere
son, una vez descubiertas, inevitables y duraderas. He aquí las luces de la
noche.
¿Hacia dónde te llevan tus
metamorfosis y como las vives?
Hacia dónde no lo sé y tengo dudas de que lo pueda controlar. Simplemente, he hecho las paces con mi naturaleza posmoderna y mis múltiples identidades.
Precisamente es el título de una canción tuya con una sonoridad muy sugerente y misteriosa. ¿Cómo crees que solemos ver la idea del cambio, socialmente?
De forma esquizofrénica. Verbalizamos que el cambio es positivo porque nos proyecta hacia el futuro; por otra parte hemos desarrollado un profundo sentimiento de nostalgia hacia el pasado.
¿Quién o qué hay detrás de tu automat?
Un synth, la repetición/automatismo de las oscilaciones, el paralelismo con las obsesiones individuales. Un eterno retorno, en fin.
¿Qué te sugiere la oscuridad?
Intimidad, introversión, posibilidades de ser. Es un fluido. El día es acción, pragmatismo. Un sólido.
¿Cómo afrontas la idea del futuro?
Con una dosis de ansiedad. Tengo la percepción física del tiempo como recurso escaso.
Metamorphoses_ ¿nace de la colaboración o es puramente un proyecto en solitario?
Es un proyecto solitario. Una vuelta a la música tras muchos años. Una habitación para mí sola; el mundo y sus expectativas no caben en ese lugar.
¿En qué no quieres convertirte?
No quiero convertirme en un desierto. No quiero perder la inocencia.
Si te hablo de una nave desnuda ¿qué te sugiere?
Es la ausencia de límites físicos. Un barco hecho de la misma materia del mar.
METAMORPHOSES_ VIDEOS aquí
Una entrevista de Juan Carlos Romero
Metamorphoses_ website www.soundcloud.com/metamorphoses-1
Foto de Andrea Lamount www.andrealamount.com
Todos los derechos reservados
STEFAN HERHEIM
La memoria del agua
RUSALKA de Antonín
Dvorák / Versión de Stefan Herheim
Tras
la Revolución Francesa el concepto nación empezó a substituir a la monarquía absolutista
como definición de estado. Así, y en parte gracias a las guerras Napoleónicas
en las que fueron los diferentes pueblos de Europa los que más resistencia
ofrecieron ante la mayoritaria ineptitud de sus monarcas, el concepto empezó a
cuajar en el sentimiento de comunidad de la población. Dentro del Imperio
Austríaco, más tarde Austro-Húngaro, estos sentimientos no hacían más que
recoger las enormes diferencias culturales dentro de todo aquél conglomerado
estatal. El compositor Antonín Dvorák, nacido en Praga en 1841, integrante
entonces de este imperio, no fue ajeno a estas corrientes cuyas luchas han
perdurado hasta nuestros días, siendo Chequia independiente tan sólo desde 1993
por decisión parlamentaria de la entonces Checoslovaquia.
Ya en
1873, Dvorák se hizo popular por su “Himno
patriótico” lo cual no fue más que el inicio de su carrera como compositor
que lo llevó a Inglaterra y Estados Unidos, donde compuso la conocida como “Sinfonía del nuevo mundo” con
influencias de los cantos espirituales negros y los ritmos espirituales
aborígenes. La obra que nos ocupa, “Rusalka”, fue estrenada
en 1901, poco antes de morir y ya de nuevo en su Praga natal. La obra tuvo un
enorme éxito, llegando al Gran Teatre del Liceu de Barcelona en 1924.
La
obra, con libreto del poeta Jaroslav Kvapil, contiene muchos elementos de los
cuentos de hadas. En realidad una rusalka
es una especie de duende que habita en los ríos y lagos. Así, Rusalka es
una ondina o espíritu de las aguas que enamorada de un príncipe adopta la
naturaleza humana lo cual acabará pagando cruelmente, muy en la línea de las
leyendas nórdicas. El príncipe se enamora de ella pero Rusalka es sólo humana en apariencia, y no puede hablar. El
príncipe acaba prefiriendo a una princesa, que resulta ser fría y cruel y lo
rechaza. Ante este panorama, Rusalka decide
regresar a las aguas, pero para conseguirlo debe matar al hombre que la ha
traicionado. Ella se niega y las demás ondinas se compadecen. El príncipe va
tras ella, buscando un último beso, aunque le cueste la vida. Se besan y muere
en sus brazos.
La
versión representada estos días en el Liceu presenta la puesta en escena de Stefan
Herheim con escenografía de Heike Scheele, en una coproducción con La Monnaie /
De Munt de Bruselas. Vigorosa, luminosa y de clara influencia surrealista, los
argumentos de “La sirenita” de Hans
Christian Andersen, y "La campana sumergida", de Hauptmann, en los
que se basó Kvapil para escribir el libreto, son llevados a un contexto actual,
en el que las salidas masivas de una boca de metro se tornan cortinas tras la
que se oculta una realidad onírica y simbólica, donde las pasiones se desgarran
en asesinato. Profundamente estimulante el trabajo de Stefan Herheim, precedido
por enorme interés en otras ciudades del mundo, donde del gris de la
resignación uno se topa con el azul apasionado y la sangre del choque con la
interesada mediocridad. Excelente.
El
público del Liceu recibió este enfoque con desigual y extremista resolución en su representación del día 22 de diciembre,
del aplauso entusiasta al abucheo en cuanto los responsables de la parte
escénica subieron a las tablas una vez acabado el espectáculo. No fue así con la
dirección musical ni con el elenco de la obra, los cuales recibieron aplausos
más extendidos. Tal dirección fue muy buena por parte de Andrew Davis, elegante
acompañante de la bellísima composición de Dvorák. Sin embargo, los intérpretes
no fueron excepcionales, si bien fue buena la interpretación de Camilla Nylund
en el papel de Rusalka, así como la del tenor Klaus Florian Vogt como príncipe. Lo más brillante fue
el coro de tres ninfas interpretadas por Vanessa Goikoetxea, Young Hee Kim y
especialmente Nona Javakhidze así como el soberbio barítono Marc Canturri en el
papel de sacerdote.
RUSALKA vídeos aquí
Texto de Juan Carlos Romero
Foto cortesía de Gran Teatre del Liceu de Barcelona. © Todos los derechos reservados por Premsa Liceu
NALYSSA GREEN
Una criatura de la naturaleza
De Barock a The seed,
Nalyssa Green ha recorrido un camino intenso. La primera vez que escuché su
música fue gracias a la canción Your eyes.
Para entonces, las canciones Nalyssa me sedujeron gracias a su voz frágil que
crece entre la luz y la oscuridad y una poesía nacida de la más intensa y
romántica manera de vivir. Nalyssa Green nos tomó de la mano, entonces, para
dar un paseo a través de su poético Cemetery.
Ahora ella planta The seed de su
futuro como compositora con un segundo álbum que demuestra que está llena de
talento y más intensa que nunca. Desde Grecia, habla de su island favorita como una forma de expresar lo que significa para
ella la existencia. Ella mira a The moon
mientras diseña la Revolution of beauty,
The wave que nos lleva a la siguiente
era. Su público está aumentando a cada momento, ¿vas a cerrar su puerta?
Tu último disco se llama The seed. ¿Una semilla de qué?
Una semilla de futuro. Una semilla de esperanza. Una
promesa tangible de que algo existe y se desarrolla con el fin de dar frutos en
el futuro. Un símbolo de la fertilidad y la creación.
La canción de apertura es The island. ¿Es una metáfora?
No. Habla de mi isla griega favorita, y los sentimientos
y pensamientos que tengo cuando estoy allí. Está escrita en esta isla. Se
refiere a ese vínculo muy fuerte que tenemos con todo lo natural, a pesar de
que nos hemos olvidado de ello. El bosque está vivo, las estrellas están tan
cerca que se pueden tocar, y toda la isla (incluido tú) es un organismo vivo.
¿Qué significa The moon para ti?
La luna me intriga de una forma muy especial ... Creo que
es el símbolo de la feminidad. Tiene un gran poder sobre mí. Y yo siempre la
busco en el cielo nocturno. Quiero verla y darme cuenta de en qué fase está. En
la ciudad donde vivo, no puedo verla fácilmente (demasiados edificios en el
camino). Así que tengo que hacer un esfuerzo cada noche. Pero es realmente
esencial para mí exponerme a la luz de la luna. Me recuerda mi conexión con el
universo.
¿Podrías hablarnos acerca del
proceso de creación del disco?
El álbum fue grabado por mí, mi productor y guitarrista
Spiros Livanis y mi baterista Evankelos Aslanides en una casa de una hermosa
aldea en una montaña griega. Rodeados de naturaleza, en invierno y entre
nuestros equipos, instrumentos e ideas, nos alojamos allí por varios días
grabando las canciones. Así que el álbum es casero y creado con mucho amor y
cuidado, y con la sensación de paisaje maravilloso de ese invierno y la
libertad del espacio abierto.
Cantas la Revolution of beauty. ¿Qué quieres decir?
Yo evangelizo los albores de una nueva revolución: una
forma revolucionaria de la revolución. Sin sangre ni lucha ni dolor ni fealdad.
Una forma más femenina de revolución. Llena de amor, la belleza, la armonía y
la tolerancia. Cambiar nuestra manera de pensar y de vivir sería lo más
revolucionario que podríamos hacer. Revolución de las conversaciones de belleza
sobre todas estas cosas. Y este sentimiento que a veces tenemos, sobre el que
no podemos hacer nada, con el que realmente podemos cambiar el mundo si
queremos.
Imagina una fábrica desnuda.
¿Qué harías con ella?
Yo la transformaría en un lugar donde la gente se encontrara,
la gente se reuniera entorno al arte y el arte se encontrara con la gente, un
lugar donde alguien pueda pasar un buen rato. Es un pensamiento que ya tengo,
me encantaría un gran espacio vacío industrial aquí en mi ciudad, Atenas, lleno
de personas que aman a la gente y el arte. Lleno de performances, conciertos,
teatro, ideas innovadoras, eventos y acontecimientos. Un lugar donde todo el
mundo pueda ser él mismo, actuar con naturalidad y sentirse cómodo. Con un gran
bar y barato, donde celebrar fiestas legendarias todas las noches.
Una entrevista Juan Carlos Romero
Nalyssa Green www.nalyssagreen.com
Todos los derechos reservados
FRANKISTADORS
Rock libertino
.jpg)
Frankistadors son rock, y roll, por supuesto. Su líder,
cantante y guitarrista es Françoise también conocida como Franka Lo-Ré, que comenzó
su carrera musical en el coro clásico de la ópera de Marsella y estudió en el
Conservatorio de Grenoble. Pero ella había nacido para el rock'n'roll. Los
sonidos creados por The Clash o The Rolling Stones fueron los que
definitivamente la llevaron a formar una banda de rock clásico. Ahora presenta
su más reciente álbum Une envie folle publicado
el pasado diciembre de 2011. Franka Lo-Ré con Laurent Peters (guitarrista),
Wilfrid Warmel alias Willos (bajista), Franck Depeyre alias Sr. Billy
(baterista) y Jonathan Gomis también conocido como JoJo (guitarra) son
Frankistadors, une envie folle para la
creación de música rock clásica como forma de la vida.
¿Sexo, drogas o rock and roll?
Rock'n'roll, ¡definitivamente!
El último álbum se titula Une folle envie. ¿Qué necesitas locamente?
Las palabras (sobre
el explícito "estribillo") provienen de un poema de George Sand a
Alfred de Musset, muy libertino, "libertin en francés". El resto de
la canción (como muchas de mis canciones ...) es sólo un resumen de mi vida
sexual ...
¿Podría hablarnos sobre el proceso de composición y
grabación del disco?
No hay ninguna
ley en mi composición ... Puedo empezar con una melodía o algunas palabras o
ambas cosas ... depende del día, del estado de ánimo. Trato de poner diversión,
fantasía y sexo en mis canciones para ver sonrisas en el público. Sobre la
música creo que no tengo control ... Es una mezcla de todo lo que amo y suelo escuchar
(sobre todo la música anglosajona, pero también reggae, y ... desde hace poco, música
española). La canción "Aeroplane" fue compuesta por Mickey Finn (ex
chico heavy metal, Humble Pie, Higelin, Nino Ferrer ...) que creó muchas de las
guitarras en este disco.
Acerca de la
ingeniería, este álbum es una producción propia ... Por suerte conocí a un
ingeniero de sonido, cuando publiqué mi primer disco (Cette fille libre), quien
me ofreció hacer nuevas canciones en su estudio. Hay varias maneras de ingeniar
... a veces empezamos la canción muy sencilla con la guitarra acústica y voz y
más tarde los otros instrumentos, algunas otras con toda la banda prácticamente
en vivo! Pero se necesita tiempo para lanzar 17 canciones, casi un año y medio.
En realidad tengo 3 nuevas canciones en las que estamos trabajando.
Una de las canciones se llama Allez sans retour. ¿Por qué?
Esta canción
fue compuesta en Marsella, en los años ochenta con mi primera banda de rock
llamada " Cops & Robbers ". La
historia de un prisionero que se escapa, no tiene camino de regreso ... (sin
retorno). ¡En ese momento significó para nosotros una especie de sin futuro!
Más dolor es una canción en español. ¿Dónde has aprendido español?
Aprendí
español en la calle y con los amigos, en realidad yo no tengo un español
fluido, pero si escuchas sólo tiene palabras habituales sobre el amor, las
bebidas y las niñas ... La canción fue compuesta en Cadaqués, los músicos
estaban tocando afuera en verano y las jams con ellos me dieron la inspiración!
¿Cuál es tu poción mágica?
La música y el
amor.
¿Alguna vez te has sentido como un satélite?
¡Sí! Desde
hace unos años creo que la tierra con seguridad es más hermoso desde el cielo
... Pero en la canción estoy hablando de los ojos y el culo de un novio, que solía
beber y que me empujó a buscar en el cielo, para olvidar los malos sentimientos
aquí.
¿Cuáles son tus influencias musicales?
The Rolling
Stones, The Doors, Patti Smith, Neil Young, The Clash ...
Imagina una fábrica desnuda, abandonada, aislada. ¿Qué
harías con ella?
Lo usaría para
un estudio de ingeniería y una sala de conciertos! ... Pero también un lugar
para la gente que quiero ... con frutas y plantas ... y un lago. Un lugar donde
los pintores, escultores, escritores, músicos pudieran sentirse libres para su
arte!
FRANKISTADORS VÍDEOS aquí
Una entrevista de Juan Carlos Romero
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