SUMARIO
PORTADA Manresa és una nau nua de Juan Carlos Romero
HOM
ENVERS
ESBÓS
NAU NUA SEPTIEMBRE 2012
CATALÀ | ENGLISH
Chris Marker
Brigitte. Et vous, tu m'aimes?
Jessica Kilroy
The Hilton Brothers
Constant Permeke
BRIGITTE
Oui, je t'aime
El último Festival Couleur Café
me hizo descubrir un dúo francés llamado Brigitte. Era una hermosa noche de
verano en Bruselas y me preguntaba acerca de lo que iba a experimentar. Yo no conocía
nada acerca de ellas, excepto uno de sus videos, pero sentí una energía muy
positiva en el aire. Y acerté, porque su actuación fue muy emocionante y todo
el público pareció estar a tono con ese dúo tan poderoso además de muy elegante
y con un sentido del humor muy inteligente. Definitivamente, Brigitte me sedujo
para siempre.
Brigitte se formó en 2008 por
Sylvie Hoarau (la morena) y Aurélie Saada (la rubia). Juntas desarrollaron un
estilo muy teatral en el escenario tomando el nombre de las actrices francesas
Brigitte Bardot y Brigitte Lahaie. Así Brigitte es un cabaret revival como un
homenaje a la chanson française y la
moda de los años cincuenta y primeros sesenta.
Aurélie Saada había comenzado
su carrera musical bajo el nombre Mayane Delem en 2001 a pesar de que había
trabajado como actriz como miembro de Les
Quiches que filmaron algunas películas cortas en un estilo de humor absurdo.
Musicalmente, su primer disco en solitario fue Un monde ailleurs lanzado en 2003.
Por su lado, Sylvie Hoarau
comenzó su carrera musical fundando el trío Topaze junto con Stéphane Dorey y
Maume Greg en 1991. Una vez el bajista Jérôme Maklès se unió a la banda, se
cambiaron el nombre por Vendetta y lanzaron su álbum de debut en 1998 bajo el
título Trop sages. Finalmente, se
separaron tras cinco álbumes, siendo el último Drôle d'idée (Barclay / Universal), publicado en 2004.
Así ellas cruzaron sus caminos
y Brigitte surgió como una fuerza muy especial. Después de un primer EP llamado
Battez-vous (2010, 3e oficina -
Wagram), su álbum debut llegó como una declaración de principios. Et vous, tu m'aimes (2011, 3e oficina -
Wagram) incluye dieciséis canciones co-escritas con la cantante y compositora franco-libanesa
Camille Bazbaz y el trovador francés Albin de la Simone. Sus sonidos van desde
las referencias orientales al hip-hop. Maravillas como Monsieur je t’aime “Impatiente,
infidèle, je ne vous résiste pas. Mes verres fumés, mon vieil imper', je suis
cachée, coupable, fière, echappée pour quelques heures d'une vie rangée qui me
perd”nos seducen con una dulce
melodía cantada con una voz sensual que nos susurra todos sus deseos. Après minuit tiene un ritmo muy funky con algunos momentos psicodélicos. “Emmène moi danser ce
soir, fais moi valser, fais moi boire.Je veux me suspendre à ton cou.Je veux
voir des beaux gosses à genoux”. Nosotros queremos que ellas nos hagan bailar también, y
sin duda lo hacen, todo el día y toda la noche.
VÍDEOS DE BRIGITTE clica aquí
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Texto de Juan Carlos Romero
Brigitte website www.brigittemusic.fr
Foto cortesía del Festival Couleur Café
Todos los derechos reservados
JESSICA KILROY
No hay montaña lo bastante alta
De los paisajes rocosos de
Montana nos llega una voz tan pura como la existencia misma. Jessica Kilroy
escribe canciones que nacen de experimentar la vida con la fuerza y el
espíritu libre de la escaladora que en realidad es. Su música es la expresión
que nos trae desde la cima de sus amadas montañas rocosas donde disfruta de
unas vistas profundamente hermosas. Ahora nos presenta su tercer álbum titulado
Cold (Publicado sólo en Europa en
2011) después de su aclamado y premiado segundo álbum Big Dreams (2007) y el exitoso debut de su proyecto paralelo
Pterodactyl Plains. Jessica Kilroy está ya a la espera de nuevos horizontes y
nuevas montañas que escalar.
Tu último disco en solitario es
Cold (2011). ¿Qué influencia tiene el
entorno natural en tus canciones?
Cold es mi tercer
álbum y fue un lanzamiento en 2011 limitado para Europa. Escribí muchas de las
canciones sentada en casa, una vieja casa, un rancho con corrientes de aire en
la base de las Montañas Rocosas en Montana.
¿La naturaleza te inspira más
que las ciudades?
No, yo diría que me siento
inspirada por ambos. La soledad de la naturaleza me inspira de diferentes
formas y la belleza de la ciudad también lo hace. Supongo que me siento más
obligada a escribir más canciones sobre historias del oeste mientras estoy en
las montañas y las baladas mientras paso mi tiempo en los grandes y abiertos
valles. Me inspiro de diferente manera en la ciudad ... una mañana de primavera
tranquila en Grecia me dan ganas de cantar de una manera diferente a si estoy
en el bullicioso metro de París. Hay belleza en todo. Una canción llamada "Bird Lightning" que escribí
para mi proyecto paralelo, Pterodactyl Plains, muestra los dos lados.
Acerca de su proceso creativo
incluyendo las sesiones de grabación. ¿Es normalmente un largo camino solitario,
como el título de una de sus canciones, o busca alguna colaboración?
Las sesiones de grabación
varían enormemente. Disfruto de la grabación con otro mucho más que sola.
Empecé a escribir para ayudar a que la corriente sin fin de historias, emociones
e imágenes que constantemente inundan mi mente tuviera una vía de escape... puesto
que es una forma de expresión que me resulta más fácil que hablar. Así que
empecé sola, pero me gustaría grabar y actuar con los otros mucho más y trato
de hacerlo tan a menudo como me resulta posible.
¿Así que la escritura es una
especie de proceso de liberación para ti?
Sí, la escritura es un proceso
de liberación en muchos aspectos para mí. Comenzó como un medio para expresar
el desorden confuso de emociones y recuerdos que rodaban como nubes oscuras
sobre mis noches y mis días ya a una edad muy temprana de mi vida. Creo que fue
probablemente la forma más segura de hacer frente a situaciones que podrían
haber sido muy perjudiciales si no hubiera tenido la música como una salida.
También me ayuda a dar voz a aquellos que no tienen la capacidad de exponer
algo incómodo. No es todo acerca de mí.
Hablando de la voz. Tu primer
disco en solitario fue Before dawn
(2003) en el que grabaste cada canción en una sola toma, y desde entonces, tu
voz tiene siempre un papel destacado. ¿Qué te permite expresar tu voz mejor que
con otros instrumentos?
Mi voz fue mi primer
instrumento. Me gusta jugar con muchos otros instrumentos ahora mismo. Yo no
creo que haya nada mejor que la voz a la hora de expresar la música, es sólo la
forma más natural para mí como compositora.
Mirando hacia atrás en tu
carrera nos encontramos con tres discos en solitario. ¿Cuáles son tus grandes
sueños?
¿Mis grandes sueños? Big dreams fue mi segundo álbum, salió
en 2007. Me gustaría ser capaz de seguir haciendo música y compartirla con otras
personas alrededor del mundo... ¡y si me ayuda a poder pagar las facturas sería
un plus! También aspiro a hacer películas o componer música para ellas, a largo
plazo.
En tu primer disco hay una
canción que se llama Revolution. ¿Por
qué una revolución?
Una revolución interior. Cada
canción habla de manera diferente a cada persona, así que no puedo decir lo que
puede significar para alguien más.
Regresando a tu más reciente
álbum, Cold. En referencia a la canción
River, ¿cómo definirías tu río
personal?
Hace poco escribí un artículo
para una revista sobre actividades al aire libre publicada aquí, en Montana. La
historia es acerca de un incendio forestal que viví en el área del River of No
Return Wilderness, en Idaho, y todo aquello de lo que fui consciente mientras
todo se convertía en cenizas, y lo comparé con mi propia vida. Me acordé de todo
lo que había hecho para buscar situaciones incómodas para mí misma de una
manera muy natural en cuanto a ofertas de trabajo, gente... y decidí parar y
ver cómo me iba dejando llevar por el propio fluir de las cosas (hacer música
para ganarme la vida). Pensé en el río sin retorno y decidí saltar. Todavía es
impredecible, pero da sin parar.
El río sin retorno, es una
bella imagen de lo que es la vida.
Cierto. Nunca se sabe lo hay a
la vuelta de la esquina.
El amor puede ser también un
río sin retorno. Tú cantas Love don't make mistakes. ¿Estás segura de esto?
Supongo que lo que esa canción
está expresando es que el Amor en sí realmente no puede cometer errores. Nosotros
ometemos errores, pero el amor no. Nos equivocamos en a quien decidimos amar, o
se dejar, pero el amor mismo es siempre cierto ¿cuál es el error en ello?
¿Así que el amor es una especie
de utopía?
Sí, es totalmente puro, ¿por
qué no? Pero la canción no trata de esto. La canción dice que podemos cometer
errores de egoísmo que se vuelven tan grandes que hace que el amor desaparezca.
Una vez más, cada canción habla de manera diferente a cada persona.
¿Qué significa Pterodactyl Plains
para ti?
Pterodactyl Plains es el nombre
de la banda que a mi compañero Kier y a mí se nos ocurrió mientras conducíamos desde
Montana a Nevada. Estábamos admirando el desierto e imaginando lo genial que
debe haber sido ver pterodáctilos elevados por los cielos abiertos. También
estábamos riendo por el hecho de que los pterodáctilos hubieran existido en
absoluto y que todas estas criaturas legendarias pudieran haber sido imaginadas
por los arqueólogos excesivamente en celo... parecía encajar bien con nuestra
música.
Dos álbumes juntos, el último
titulado In the air incluye bellas
canciones como Bird Lightning. ¿Es
muy diferente a trabajar en un álbum de Pterodactyls
que en los tuyos en solitario?
Estamos trabajando en nuestro
tercer álbum en este momento y esperamos lanzarlo antes de 2013. Sí, la música
es muy diferente. Pterodactyl Plains es un escape refrescante para mí. Puedo ser
tan rara como soy sin preocuparme de si la gente me va a entender o me va
ajuzgar. En el mundo de cantautores puede ser un poco más difícil salirse de la
imagen que das habitualmente en el escenario y seguir manteniendo el público que ya te has
ido consiguiendo. Las expectativas son realmente el problema.
¿Las expectativas del público,
quieres decir?
Pterodactyl Plains comenzó como
una caprichoso experiencia bajo un “nada prohibido” de dos niños enamorados de
una pasión por la música y la creación.
¿Así que no te siento lo
suficientemente libre como para expresarte en su proyecto en solitario?
No teníamos ni idea ni
intención de que a alguien le gustara nuestra música ni tampoco nos importaba.
Fue una sorpresa agradable el encontrar a gente que le gustó así que seguimos
haciendo más. En mi música en solitario me voy sintiendo más cómoda en
mostrarme totalmente honesta en mi escritura, pero me ha llevado un tiempo y un
poco de persuasión. A diferencia de las meditaciones psicodélicas de Pterodactyl
Plains, cuando toco sola no hay reverberación ni cajas de ritmos ni otra
persona tras los que esconderme. Pterodactyl Plains me ha ayudado a dejar de
lado cualquier expectativa que creo que el público pueda tener y me estoy
moviendo en una dirección muy diferente a lo que escribo ahora. Mi escritura
está en constante cambio.
Aint No Coming Back... y siempre esperando cosas nuevas.
Sí, siempre mirando hacia
adelante.
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Una entrevista de Juan Carlos Romero
Foto cortesía de Jessica Kilroy
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MU!
Caminos coloridos
La distancia entre Cartagena de Indias y Barcelona puede ser muy grande o muy corta, pero probablemente la respuesta correcta sea “ninguna de las anteriores”, puesto que todo es relativo, señoras y señores. Desde allí, y hasta aquí, llegó hace un tiempo MU!, diseñador gráfico que descubrí en su exposición en la sala NIU, la nada corriente sala de aires nuevos en el transformar del Poble Nou de Barcelona. Entusiasta defensor de que haciendo realidad las ideas e ilusiones podemos cambiar el mundo, MU! juega a ganar con la abstracción y los colores buscando que el espectador forme parte de la obra a través de sus propias sensaciones. Para él cada ilustración tiene un significado y para nosotros otros muchos a bien seguro que muy diferentes. Al dejarnos llevar vemos nuevos enfoques. MU! no juega con bolas de dragón, pero casi.
MU! DS LESSONS exposición e NAU NUA. Clica aquí
Texto de Juan Carlos Romero
MU! website www.mu-illustration.com
Foto de MU!
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CHRIS MARKER
Luz en las sombras
Pero
mi memoria tiene su documental Sans soleil de 1983 como la más fuerte
imagen creada por Chris Marker. Fue la primera película de Marker que jamás
había visto y me hizo pensar en lo que podría llamarse un documental. En él mezcló
imágenes documentales con filmaciones de ficción y fragmentos de programas de
televisión japoneses con reflexiones personales sobre la memoria y el entorno
cultural. Chris Marker murió el pasado 29 de julio, pero el maneki neko aún mueve
su brazo con la música compuesta por el mismo Chris Marker, y estoy seguro de
que me trajo una gran fortuna porque tras descubrir el sol de Marker empecé a
ver el arte cinematográfico de una manera muy diferente.
Sans soleil fue una experiencia casi
trascendental para mí. Fue hace siete años cuando escuché el nombre de Chris
Marker por primera vez. Un documental sobre su filmografía puso su nombre en mi
mente y me hizo buscar algunas de sus obras en DVD. Encontré un caja que
incluía las películas La jetée (1962), Le souvenir d'un avenir
(2001), Sans soleil (1982) y Le tombeau d'Alexandre (1993).
También incluía un ensayo en imágenes de Isaki Lacuesta y Sergi Dies llamado Las
Variaciones Marker y la maravillosa película Schastie de 1934
dirigida por Aleksandr Ivánovich Medvedkin, conocida también con el título de La
felicidad. En esa película, una mujer le dice a su marido que se vaya en
busca de la felicidad y que no regrese hasta que la encuentre. Yo no he
encontrado mi felicidad en la filmografía de Chris Marker, sino una manera de
disfrutar de ella.
Su
verdadero nombre era Christian François Bouche-Villeneuve y nació en
Neuilly-sur-Seine, Francia, en 1921. Desarrolló su carrera artística como
escritor, fotógrafo y cineasta. Sus primeras películas nacieron en los años
cincuenta, envueltas en la atmósfera de la rive gauche, junto a Alain
Resnais, Agnès Varda y otros, y por la exploración de los límites del lenguaje
documental. Dirigió junto con Alain Resnais su primera película importante bajo
el título Les status
meurent aussi (1953) sobre el destino del arte africano en el mercado comercial
europeo.
Tras
experimentar con la ficción colaborando de nuevo con Resnais en la película Nuit et brouillard / Noche y niebla (1955) y creando la película de animación Les
Astronautes (1959) con Walerian Borowczykand combinando dibujos
tradicionales con fotografías, continuó trabajando en sus propios documentales
como Dimanche à Pekin (1956 ) y ¡Cuba sí! (1961) expresando sus
experiencias políticas a través de sus viajes por diferentes sociedades
revolucionarias.
Y en
1962 filmó La Jetée, probablemente su obra más influyente. De hecho, La
Jetée no es una película, sino una narración fotográfica, una historia de
ficción fotográfica para ser exactos. Es un relato de ciencia ficción sobre un
hombre prisionero de investigadores del viaje en el tiempo una vez acabada la
Tercera Guerra Mundial. Editado como un montaje fotográfico en blanco y negro y
narrado por Jean Negroni, el elenco incluye Hélène Chatelain, Davos Hanich y
Ledoux Jacques, y la música fue compuesta por Trevor Duncan, siendo sobre todo
una pieza vocal que estremece al espectador desde el primer momento, expresando
toda la angustia sufrida por el protagonista en un París apocalíptico. Esa
música siempre permanecerá ligada a la frase "Ceci est l'histoire d'un
home marqué par une image d'enfance". Chris Marker había creado una
obra maestra.
Chris Marker | Vídeos aquí
Texto de Juan Carlos Romero
Foto de Lars-Olof Löthwall. © Lars-Olof Löthwall
Imagen cortesía de Lars-Olof Löthwall i Nostalghia.com
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JULIO MANRIQUE
El arquitecto
de David Creig
de David Creig
El joven dramaturgo escocés David Creig ya cuenta con una obra importante a sus espaldas. Tanto es así que en 2006 su obra “The Architect” fue llevada al cine protagonizada, entre otros, por la maravillosa Isabella Rossellini y dirigida por Matt Tauber. Entonces, el actor Anthony LaPaglia encarnó al arquitecto Leo Black en quien se centra esta obra. Ahora es Julio Manrique quien la dirige mostrando la ascensión profesional de un hombre idolatrado cuyos principios caerán más tarde así como su estructura familiar cuando deseos y realidades choquen como ay en el cielo antes del torbellino tempestuoso. Nuevo paso para Julio Manrique en su firme carrera en la dirección dentro de la escena barcelonesa, siempre proponiendo textos llenos de las contradicciones que a todos nos ocupan. Sed bienvenidos para presenciar el ascenso y ocaso de Leo Black, un idealista e idolatrado arquitecto. Sus fabulosas visiones se hunden al mismo tiempo que su familia al chocar con la realidad.
L'ARQUITECTE / THE ARCHITECT vídeos clica aquí
Texto de Juan Carlos Romeo
Foto de Ros Ribas. © Ros Ribas
Cortesía del Teatre Lliure
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THE HILTON BROTHERS
El tiempo de la identidad
Son The Hilton Brothers, pero ante todo son Christopher Makos y Paul Solberg, dos mentes jugando con la idea de la identidad y empujando los esquemas sociales para hacer que sus sueños se hagan realidad. Ahora presentan la exposición Andy Dandy and other works en la combinan en formato díptico retratos de la imagen alterada de Andy Warhol tomados por Christopher Makos con retratos de flores de Paul Solberg. Así nos encontraremos con tres identidades artísticas: Makos, Solberg y los Hilton Brothers. Pero, ¿dónde está el límite entre ellos? El mismo concepto de la combinación de las diferentes identidades que nos hace preguntarnos sobre nuestros propios límites, nuestras propias identidades frente a los demás e incluso nuestro entorno natural y social.
¿Qué es un dandi?
Christopher Makos. Dandy es una expresión del inglés que describe a alguien o algo que es muy especial. Especialmente en el área de la moda.
Paul Solberg. Aparte de su significado original, siendo un caballero de peculiar vestir y refinamiento, en la actualidad se explora un uso más lúdico del término. Un Dandy puede ser un caballero que se identifica con el prototipo originario de un caballero, en su término exacto. Un cumplidor excesivo de la estética personal, con destreza cognitiva y verbal como un componente clave de su estética, a menudo empleando un aire subversivo. Un auténtico Dandy - una rareza-no es consciente de nada de eso, y simplemente lo "es".
¿Y qué representa Andy Warhol para ustedes?
Christopher Makos. Andy es mucho más un amigo que un producto, o el artista como el resto del mundo lo ve. Por supuesto yo entiendo la opinión que todo el mundo tiene de él, pero para mí en primer lugar es un amigo.
Paul Solberg. El trabajo duro. Su filosofía del "usa todo lo que hay a tu alrededor", "hazlo todo" y "todo es arte" que veo que ha influido a Chris.
Ustedes juegan con el concepto de identidad presentando una colección de trabajos en solitario, como Christopher Makos y Paul Solberg, pero también trabajos en colaboración como The Hilton Brothers. Como los Beatles cantaron una vez I am he as you are he as you are me and we are all together. ¿Quiénes son ustedes?
Christopher Makos. En primer lugar yo soy Christopher Makos, pero entiendo la idea de que todos somos uno. O por lo menos durante en la época de The Beatles ésa era la idea. Esto se puede ver especialmente en twitter, facebook o Instagram. Así que muchas personas sienten en cierto sentido su pertenencia a algo, la nueva versión de la iglesia. El cambio de forma, o jugar con la identidad es algo que todos hacemos. El hombre de negocios durante la semana, el atleta de la universidad, en sus vaqueros y camiseta en los fines de semana.
Paul Solberg. Como la mayoría de las ideas de The Beatles, esta idea es cierta. La colaboración revela la verdad. Pone a prueba el ego y enseña la hazaña imposible de compartir el papel de artista como dictador. Dos artistas que comparten una única visión. Aún tenemos más canciones para cantar a dúo, con cada uno de nosotros haciendo nuestros solos en la banda. Para nosotros, nuestra colaboración "simplemente funciona" y es muy natural.
Una de sus series se llama Andy Dandy y es una combinación de dos series diferentes: una es una serie de retratos de Andy Warhol por Christopher Makos, y la otra es una serie de retratos de flores de Paul Solberg. ¿Qué concepto hay tras esa combinación?
Christopher Makos. No existe un concepto, no es sólo la idea de jugar con la identidad, Andy es muy delicado en esta serie, y las flores pueden ser muy delicadas, así que como estábamos probando imágenes, tan sólo nos pareció que combinaban bien.
Paul Solberg. Al igual que nuestros otros trabajos, es instintiva y visceral. Había una especie de nueva narrativa al poner las imágenes unas al lado de las otras. De pronto se convirtió en una historia. Lo más interesante es que el espectador aparece con su propia historia, por lo que nos guardamos nuestra historia para nosotros mismos. No queremos echar a perder la trama.
The truth es una serie que explora la influencia del olor en nuestro imaginario y de nuevo se compone de la combinación de retratos y fotografías de flores, pero esta vez en blanco y negro. ¿Cuál es el olor de la verdad?
Paul Solberg. Rocas. Ambos amamos las piedras. Son el olor más hermoso y honesto, sobre todo después de la lluvia.
Christopher Makos. Siempre parece más fácil encontrar la verdad en el color, porque es lo único que tenemos ahí afuera para poder ver, no hay que tener imaginación, sólo tienes que usar tus ojos, pero cuando usamos el blanco y negro, uno debe usar la imaginación, un sentido de lo inesperado, un sentido del olfato, ¡un sentido! Esperemos que esta serie tenga sentido.
Estrenaron su serie Narrative and Story en La Casa Encendida de Madrid. Las piezas conforman una exposición llamada Mistaken identity con trabajos creados a partir de la combinación de cuatro fotografías. Podemos ver elementos como símbolos religiosos, las tradiciones, la sexualidad... ¿Cómo podemos encontrar nuestra identidad entre tantos condicionantes sociales?
Christopher Makos. Simplemente caminando por la calle, viendo la forma de actuar de las personas, sus vestidos, mirándose unos a otros. Los cortes de pelo, los zapatos, la ropa. Todo el mundo está tratando de ser alguien. Ya sea en el trabajo, en casa, o en el juego. Esta idea de la identidad está por todas partes. Un médico, un abogado, un artista. Todos estamos jugando con lo que somos, con la esperanza de cumplir con nuestras expectativas para nosotros mismos, y para los demás. Jugamos con la identidad, en la forma en que nos vestimos, porque se convierte en una llamada de atención para el espectador.
Paul Solberg. Forma parte de la vida contemporánea ser bombardeados por muchas imágenes a la vez.
¿Qué tipo de influencia tiene el paso del tiempo en nuestra identidad?
Christopher Makos. A medida que crecemos, y desarrollamos amistades, nuestra identidad cambia. Lo que esperamos de nosotros mismos también cambia. El tiempo es sólo un factor más en el camino hacia la identidad.
Paul Solberg. Estamos fascinados con el tiempo. La falta de tiempo. El sentido y el sinsentido de tiempo. La abstracción del tiempo. Cómo pasa el tiempo en un reloj es un símbolo, más que cualquier otra cosa real. Mantener el tiempo es nuestra manera de dar estructura a la oscuridad.
¿La velocidad es una forma de liberación?
Paul Solberg. Claro.
Christopher Makos. La velocidad es un vehículo a otro espacio, otro tiempo. Es sólo la forma en que pasamos de una idea a otra, y así llegas adónde querías más rápido.
¿Podemos confiar en nuestros sentimientos y sueños?
Christopher Makos. Por supuesto, tenemos que confiar en nuestros sentimientos, creo que los sentimientos vienen del alma, y si usted tiene sentimientos, es necesario prestarles atención, y nuestros sueños son el camino para desbloquear el futuro, que es tan importante tanto para nuestro bienestar emocional como para la salud espiritual.
Paul Solberg. Si usted no confía en sus sueños, es un problema. Tan sólo desconfío de mis sueños cuando tienen sentido. Si recuerdas tus sueños, incluso los malos, es una buena noticia. Cuando me despierto gritando de un mal sueño, estoy muy contento porque el cerebro me trajo algo creativo e interesante sin mi aprobación.
¿Podrían explicarnos su sueño más recurrente?
Paul Solberg. Yo sueño mucho con sandías. Volar a través de un cielo azul lleno de sandías hermosas, verdes y rosas. Puedo hablar tanto por Christopher como por mí, tenemos una gran cantidad de sueños con sandías.
Christopher Makos. Tengo que decir que yo realmente no tengo sueños recurrentes. Mi tiempo despierto, en mi vida real, casi se ha convertido en un sueño. Es bueno, es un gran despertar para ir a través de mi vida, mis sueños son mi realidad y mi realidad se ha convertido en el sueño que siempre quise.
The Hilton Brothers | A selection of works en NAU NUA. Clica aquí
Entrevista de Juan Carlos Romero
The Hilton Brothers website www.thehiltonbrothers.com
Foto de Iara Venanzi. © Iara Venanzi
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