SUMARIO
PORTADA de Mlle Ewa. Poupées Burlesques
HOM
Sentir la energía
NAU
Contraluz
Collages en danza
Tiempos mejores
Nuevos aires
Poemas extirpados
Silencio sincopado
NUA
Um oh e um ah
ENVERS
Ventanas verdes
Tiempo atenuado
La pasión del pasado
Sol de invierno
ESBÓS
Después de haber nacido
Photographies
Identitat
SENTIR LA ENERGÍA
Schneeweiss & Rosenrot
Cae el sol y tras las últimas notas surgidas de un piano cochambroso en el eco del recuerdo, inicio la escucha de una música que descubre nuevos rincones en mi vespertina actividad. Schneeweiss & Rosenrot han creado Pretty Frank (Yellowbird Records, 2011) un sincopado mosaico de tonos evocadores y palabras llenas de un lirismo nacido de voraces arrebatos musicales. En cada una de sus puertas, los ritmos son frenéticamente estimulantes, caminando del impulso a la calma melódica con inusitada veracidad. La vida es como ellos, un síncope siempre al borde del abismo.
Se trata de una banda internacional cuyos miembros llegan desde Alemania, Suecia, Luxemburgo y Suiza. Jóvenes músicos arropados por su gran conocimiento del jazz llevándolo a nuevas tierras sonoras como la música de vanguardia y el pop. Ampliamente experimentados sobre el escenario, sus múltiples facetas se combinan sorprendentemente en sus composiciones de texto y música. La evolución de las mismas va más allá de la típica estructura de la canción popular rozando el vodevil. Su aire teatral puede captarse en la portada del disco, dejando claro que la creación nunca es definitiva y que su interpretación en vivo es siempre un nuevo renacer. La improvisación capta el latir del instante.
Lucia Cadotsch juega con su apasionada voz convirtiendo cada palabra en un punto de partida hacia algo nuevo y seduciendo al público de inmediato. Johanna Borchert tiene en sus manos la belleza surgida en rama desde el corazón, improvisando notas como si de una lluvia en danza eterna con el viento se tratara. De su piano, surge su retrato mismo, apasionado resuelto en rojo vital. Petter Eldh es la pulsación misma. Su contrabajo nos envuelve de nervio creativo mientras Marc Lohr crea los ritmos virtuosos a la batería.
Temas como Pretty Frank, la juguetona Ping Pong Love, la más meláncolica Daddy Longleg, la inquietante Newman’s Housecat, la turbia Coast Starlight Express o la fascinante Splendit 33, convierten a Schneeweiss & Rosenrot en un espacio único, novedoso, una ventana a la que asomarse sabiendo que nada será nunca igual.
Texto de Juan Carlos Romero
Fotos cortesía de Schneeweiss & Rosenrot
CONTRALUZ
Agnes Obel
La música de Agnes Obel apareció en mi vida gracias a una de mis visitas a Bélgica. Las experiencias de la vida pueden plasmarse en nuestro interior cargadas de pequeños detalles que las hacen aún más intensas, y el disco de debut de Agnes Obel, Philharmonics (PIAS, 2010), me llegó como lluvia tras un día tremendamente caluroso. A la mañana siguiente, el aire era fresco, renovado, libre de cargas a pesar de sus composiciones sombrías, a tiempos a contraluz, pero siempre bellas, tremendamente bellas.
Agnes Obel nació en Dinamarca aunque ha desarrollado buena parte de su carrera en Berlín. Publicó un primer EP titulado Riverside que sirvió de preludio a su primer álbum mostrando ya su poesía en la sombra como lugar donde apreciar la luz en su verdadera dimensión. Empezó a tocar el piano desde muy niña y pronto desarrolló un enorme talento para la composición de canciones.
Philharmonics se desenvuelve principalmente a piano dejando a su hermosa voz el protagonismo de unas melodías surgidas del mundo del agua y de los instantes donde la luz cabalga en terreno de nadie, los amaneceres y atardeceres, siempre de mayor calado temporal en latitudes nórdicas. Desde el inicio al piano de Falling, Catching y la maravilla de aires célticos Riverside que sirvió de anticipo del disco, su calidez vocal contrasta con los paisajes fríos que nos describe. Melancólica en Brother Sparrow y profundamente estremecedora en Just so, la expresión distante que muestra en su portada se desmonta a cada nota que descubrimos en el disco. Sublime en Beast, curiosamente la más cargada de esperanza, con un sonido limpio y brillante. “Let's go tonight, to let the beast run wild with the dogs and the cattle, let's go. I know you said it's like a heel to the head, or a girl in your bed and in your arms. For the butter on your bread, for the dying and the dead, for your cheeks turning red, let's go”. Dejarse ir como vía de esperanza a una existencia llena de oscuridades absurdas. La pasión es una puerta, cerrada es la muerte pero abierta nos llena las venas del ritmo de la vida. Luego, suena un vals que da título al disco, Philharmonics, y a uno le entran ganas de bailar con la noche hasta que la luz nos abandone porque “now we are free”.
Y me siento Over the hill viendo caer la noche mientras siento la poesía de sus canciones. “Over the hill I will be waiting for you I won't pretend that you don't mean nothing to me.Come now, come now, come back now, come back now. The doubt will creep and crawl in on you. The dark can leap and fall upon you. Come back now, come back now. Let it be, let it go, let it fall, let it blow. Let it come, let it go, let it fall, we will know”. Y el tiempo se curva en mi ignorancia.
Texto de Juan Carlos Romero
Foto cortesía de Agnes Obel
COLLAGES EN DANZA
Christelle Hodencq
Comme dans un rêve el alma de Christelle Hodencq nos danza su creatividad en cualquier vertiente vital. Formada en el mundo del teatro y la danza, es la creadora de la compañía États de danse ubicada en París, así como de todo un imaginario artístico plasmado a través de distintos proyectos que van de la actuación al recital y del collage a la poesía. En su poema La petite histoire nos coreografía el dilema de la existencia como “De la femme plurielle à la femme singulière, voyage de l'inconscient dans la main et les pieds qui dansent... L'âme”. Y su viaje personal está del todo abierto a la exploración continua, como un eterno collage a modo de camino de la vida por el que recoge experiencias, sensaciones, ideas y deseos hasta combinarlos en su danza personal.
Su trabajo Comme dans un rêve entronca fácilmente con un aire onírico desde el principio. Efectivamente, la primera pieza, La vieille âme, nos muestra el alma de la vida como un rayo incesante surgido del sueño mismo, y la vieja alma se nos muestra llena de energía en una súbita aparición. Amour etc entra en la relación amorosa y sus habituales consecuencias en la formación de la familia. En ella, Christelle muestra en primer término a un hombre distante de ese futuro familiar mientras la mujer pare y protege a los hijos envuelta en una tonalidad gris. Vu es colorista y se centra en nuestra mirada al mundo y en las miradas de las que somos objeto, siendo observados y observadores a la vez. La femme gâteau nos enfrenta a la mujer joven como objeto sexual mientras la vejez femenina queda apartada siendo el paso del tiempo una terrible prisión para ellas contra la que nada pueden hacer. Gangsters of love es una pieza principalmente en rojo sobre negro combinados con textos como Maudits mots dits, Petits trop mineurs o la propia Gangsters of love, el deseo y la parte más oscura del ser humano, el engaño, se entremezclan convirtiendo en heridas lo que un día fue fulgor. Viens avec moi es colorista, vital, repleta de pequeños detalles en los que detenerse dejándose caer por la tentación. Les fruits de la femme enrojece los senos y arde las miradas en busca del origen de la vida. La promesse tiene una carga crítica sobre los valores de la revolución viéndose rota la liberté, égalité et fraternité que en el caso de la mujer nunca se ha llegado a cumplir.
Christelle Hodencq juega con los puntos de vista ajenos para recrearlos y darles su propio hálito vital, el aliento de una actriz y bailarina que se adentra en las artes plásticas con personalidad propia y una pasión que sacude nuestra confortable apatía. Hermoso.
Texto de Juan Carlos Romero
Foto de Laurent DemartiniExposición en la sección ESBÓS
TIEMPOS MEJORES
Lori Watson and Rule of Three
Ne’er ask the hour what is it tae us, how time deals out his treasures? The golden moments lent tae us, they’re no Time’s coin they’re Pleasure’s. Then fill the cup what is it tae us, how Time his circle measures? Tae count aa the hours it is sic a fuss, obey no wand but Pleasure’s. La hermosa voz de Lori Watson entona el tema tradicional Pleasure acariciando nuestras almas hasta estremecerlas. Así abren Lori Watson and Rule of Three su último álbum Pleasure’s coin (ISLE Music Scotland, 2009), un trabajo lleno de belleza que no sólo nos devuelve la intensidad de la vida, sino también la riqueza de una cultura tradicional tan estimulante musicalmente como lo es la escocesa. Sus melodías nos abrazan el alma.
Los tesoros que guarda este disco son tantos como los que muestran la voz y la instrumentación de Lori Watson and Rule of Three pues si bien buena parte del repertorio se nutre de canciones tradicionales, es la interpretación llena de vida que nos regalan la que le confiere una personalidad propia y fuertemente seductora. Los arreglos son sutiles, elegantes y llenos de amor por la tradición y la modernidad, sin ver la frontera entre una y otra pues el hecho vital es la única realidad en nuestro interior y, quizás, las canciones del pasado viven más intensamente ese hecho que las actuales, más pendientes de la acumulación y el espectáculo que de la intensidad y el devenir existencial. Si uno no se detiene a vivir la puesta de sol y luego quedarse en silencio en la nueva oscuridad para saborear lo vivido, lejos está del disfrute de Pleasure’s coin. Así, yo me estiro en la hierba y escucho la música de Lori Watson and Rule of Three como el placer que es, dejando que la voz hermosa de Lori me haga sentir cada hueco de mi alma para ser consciente de su existencia. Los tiempos no corren, son nuestras almas las que huyen de él.
Temas como Pleasure, Plooman, Floor, Poppies y Friendship son todo un ejemplo de cómo la belleza no tiene ni tiempo ni lugar más allá de nuestras mentes, tan necesitadas de lugares donde refugiarse de los grises tiempos que nos acechan. Escuchad sus historias y os reconciliaréis con vuestro mundo interior. Un placer.
Texto de Juan Carlos Romero
Fotos cortesía de Lori Watson
NUEVOS AIRES
Le Mask
“Somos Le Mask un pequeño grupo de arte especializado en la fotografía pero también en la ilustración, el cine y la pintura. Desde la infancia nos gustó hablar poco y observar mucho. Nos gustaría pensar que en nuestro trabajo existe algún tipo de conexión entre pintura y fotografía. Tratamos de plasmar la relación que hay entre nuestros propios pensamientos y las imágenes que estos nos sugieren”. De esta manera, Aida Hebles Sánchez y Noelia Secaduras Sánchez se presentan como Le Mask, su proyecto abierto a la creación artística. Actualmente nos presentan dos de sus más recientes obras: el cortometraje Respira (2011) y la exposición fotográfica Identitat (2011), ahora expuesta en Barcelona y el próximo agosto en la Steinhausen Gallery de Florida, pudiendo ver una muestra de la misma en nuestra sección de exposiciones Esbós.
Identitat (2011) se adentra en el terreno de la imagen creada, la percibida y la sentida como propia, siempre desde la duda permanente. Así, nos hallamos ante un conjunto de retratos en blanco y negro y color donde los antifaces físicos y psíquicos actúan de barrera sirviendo a la vez de juego seductor y de herramienta para el engaño propio y ajeno. La exploración de los propios sentimientos se muestra con exquisita ternura en fotografías como Així ets tu o Vull pau y con determinación y energía en Ara o mai y Progrès. La seducción, el eterno contraluz entre lo que uno quiere mostrar y lo que el otro ve o quiere ver, aparece misterioso en Ulls de color de mel. Un trabajo lleno de Voluntat por conseguir una Estona de cel pero que acaba siendo un precioso viaje interior a la belleza claroscura.
Respira (2011) es un cortometraje dirigido por Aida Hebles Sánchez seleccionado por el Festival DO Films Cambrils-Reus y el Festival REC de Tarragona en sus ediciones del presente 2011. “Después de un accidente de tráfico Claudia despierta perdida en ese mundo entre la vida y la muerte. Allí querrá ver la imagen de su madre y su búsqueda la conducirá por un camino de incertidumbre y desesperación hasta llegar a la propia verdad”. Se trata entonces de un trabajo complementario a su proyecto fotográfico, la búsqueda de la propia identidad. Una película realmente inquietante donde la asfixia de la protagonista se traslada inmediatamente al espectador produciendo un terrible desasosiego fruto, sin duda, de la identificación con las preguntas y sensaciones transmitidas en la pantalla. Un trabajo excelente que hace respirar nuevos aires a nuestro pulmón cinematográfico.
Texto de Juan Carlos Romero
Fotos de Le Mask
Video del cortometraje Respira dirigido por Aida Hebles Sánchez
POEMAS EXTIRPADOS
Les Aus
Si de un trozo de poema pudiéramos extraer la esencia de la poesía mediante alquimias verbales y metáforas apropiadas para tal ocasión, probablemente el cielo seguiría siendo gris o azul o aterciopeladamente oscuro pero repleto de lunas y de llenas con las tetas al aire como gracias de Rubens esparcidas por el viento y despeinadas lujuriosamente al asombro de los pinos que rendiríamos irremediablemente a sus pies. En cambio, si no prestáramos atención a su fondo y desmenuzáramos poco a poco y siniestramente su forma, separando vocales de consonantes y creando un amasijo léxico sin sentido alguno, obtendríamos una convención social. Aún estando tentados por la segunda opción, no descartéis tan rápidamente la primera, y dejaos acompañar por músicas y letras, que Les Aus están de enhorabuena.
Colaboraciones con compositores electrónicos de allí y de allá, y una maravilla llamada Electric War (2011) que rompen sentidos y sensibilidades a partes iguales. Podría dedicar este espacio a describir su música, entre lisérgica y cotidiana, o las dos cosas a la vez, pero debería destruir lo escrito para renacerlo de sus propias cenizas de papiroflexia post-mortem. Tras lo quemado, el negro impera, con algún que otro detalle grisáceo que marca cierta frontera entre lo inerte y lo que, mal nos pese, aún respira. La guerra eléctrica está dormida mientras los HI-FI estén de cenizo en cenizo, pero todo se acaba al escuchar a esta banda que honran nuestra presencia a riesgo de que la diferencia de alturas sea de rompe y rasga. Por no hablar de su Mitologia Natural (Gravity Records, 2009) junto a colaboradores como Jacob Anodide y la propia vida, que siempre está incluso cuando nadie se lo espera.
Si las tormentas hablaran…
Texto de Juan Carlos Romero
Fotos cortesía de Primavera Sound
UM OH E UM AH
Tom Zé
Descubrí el mundo de Tom Zé gracias a mi afición a The Talking Heads. Sí, es una de esas cadenas de la vida que tanto me fascinan y en cuyo recuerdo disfruto recreándome. Por ejemplo, Paul McCartney me llevó a descubrir a The Beatles (aunque parezca que debería ser al revés), pero además a Elvis Costello, Carl Davis, Freelance Hellraiser,Youth o Super Furry Animals. A su vez, Elvis Costello me llevó a fascinarme con Tom Waits y con él a maravillarme con el cine de Jim Jarmusch. Desde él, un Dead Man me enamoró de la música de Neil Young. El grupo Radio Futura me descubrió a Caetano Veloso y Compay Segundo, abriéndome todo el inmenso universo de las músicas brasileña y cubana, casi sin límites. De ahí llegaría a Vinicius de Moraes y Antonio Carlos Jobim y de ellos a Joao Gilberto quien junto a Stan Getz iluminaron los sesenta con su chica de Ipanema. Con Stan Getz, llegó el jazz a mi vida, con el que todavía bailo.
David Byrne, cabeza visible de The Talking Heads, creó a finales de los años ochenta la discográfica Luaka Bop y redescubrió a Tom Zé para todo el mundo a través de dos volúmenes recopilatorios. Yo llegué a ellos mucho más tarde, en la época en la que un baobab en forma de programa musical creció hasta la muerte definitiva en medio del oasis televisivo del Canal 33 de la televisión pública catalana. Sí, el programa se llamaba Baobab, origen también de muchas de las mencionadas cadenas que tanto me gustan. Allí descubrí a Frank Zappa y también descubrí a Tom Zé. Por eso busqué sus discos y topé con el recopilatorio lanzado por David Byrne tiempo atrás. Lo vi, lo compré y lo disfruté. Y por muchos años.
Tom Zé nació en 1936 en Irará de Bahía en Brasil en el seno de una familia acomodada. A finales de los sesenta sería figura protagonista de la renovación de la música brasileña con el movimiento Tropicalista. El tropicalismo llegó a nosotros cual ave mesiánica con ánimos redentores. Eran los años setenta, o finales de los sesenta, cuando la música brasileña resurgió de sus poderosas cenizas, pues la bossanova emergió pocos años antes llegando a copar cimas de ventas por encima de The Beatles con aquella chica de Ipanema llena de gracia acariciada al saxo por Stan Getz y a la voz por Joao Gilberto. Sí, aún así, tenían mucho más por crear y llegó la psicodelia de Os Mutantes y luego el Tropicalismo con alardes tales como Caetano Veloso, Gilberto Gil y quien nos ocupa, el más excéntrico de todos, Tom Zé.
Su obra es prolífica, muy experimental y cargada de un enorme sentido del humor. Pasó sin pena ni gloria los años ochenta, pero en la actualidad, con 74 años, está más creativo que nunca, todo un UHM HÉ.
Texto de Juan Carlos Romero
Fotos de Decio Matos Jr. cortesía de Onda Max Films
SILENCIO SINCOPADO
Pete Robbins
Pete Robbins creció en Andover, Massachusetts, a las afueras de Boston. Con tan sólo 6 años empezó a tocar el piano, a los 9 el clarinete y a los doce el saxo mientras admiraba a Miles, Bird y otros dioses del Olimpo del Jazz. Se trasladó a Brooklyn en 2002 y ya ha grabado con talentos de la talla de John Zorn, Mark Dresser, Craig Taborn, Ben Monder, Mario Pavone o Kenny Wollesen y está considerado como una de las mayores fuerzas creativas del jazz actual. Su último trabajo está grabado en vivo y él mismo lo define como “This is my electro-acoustic quintet that plays everything from highly structured compositions to free group improvisations. Cornet, guitar, and bass use a variety of effects pedals to explore wide-ranging timbral possibilities. Hard grooves and rock textures often dominate the sound”. Su banda es de altos vuelos bajo el nombre de Trans-Atlantic Quartet y lo acompañan por giras por todo el mundo, compaginándolo con otras formaciones como la Unnamed Quartet. Al hablar de su banda en las giras europeas dice “This quartet tours Europe extensively, playing a mix of my older and newer pieces. Compared to siLENT Z, the focus is less on timbre and semi-structured improvisation and more on exploring the details of the harmonic and rhythmic elements of the compositions in a clear and convincing manner. A live album may be coming in 2011... stay tuned…”Y a la espera estamos, Pete.
Texto de Juan Carlos Romero
Foto cortesía de Pete Robbins
VENTANAS VERDES
Ljiljana Petkovic
Ljiljana Petkovic es creativamente poliédrica. Al frente de la Ljiljana Petkovic Orchestra o como actriz en musicales y recitales y como dj, la búsqueda continua la mantiene viva. Le encanta la frase “Only great minds can afford a simple style”, algo que sin duda se le puede aplicar. Sea como Ljiljana Petkovic o como su alter ego Manuela Krause, su vida está llena de inquietud por la música, la poesía y la filosofía. Ahora presenta junto al gran músico August Engkilde
Hinter dem Spiegel (Brumtone, 2010), un disco lleno de sensibilidad y virtuosismo acústico y electrónico. Las convenciones están para romperlas.
¿Quién es Ljiljana Petkovic?
¿Es una pregunta retórica o filosófica? Supongo que Ljiljana Petkovic es la semilla de una rara flor del desierto que eventualmente crece en un verde oasis…
¿Qué hay detrás del espejo?
Habla con Alicia ; ). Hablaré de esto más tarde.
¿Podrías explicarnos el origen amarillo de Ljiljana?
Ljiljana es mi nombre de nacimiento. El nombre viene de la palabra serbia Ljiljan. Su origen es el lirio. Es un símbolo antiguo de luminosidad, de pureza y belleza, pero además de muerte…los lirios son muy populares en los funerales. Quizás su intensa fragancia esconde el olor a muerte. Por supuesto no funciona. Es lo mismo que el Patchouli, una fragancia que fue muy popular en los sesenta y setenta. Debía esconder el olor a Cannabis. ¿Sabes qué tienen en común los lirios, el Patchouli y el Cannabis? Su olor se evapora muy lentamente y así permanece presente por mucho tiempo y quieras o no nos afecta a todos…espero que nuestra música tenga el mismo efecto
; ).
¿Qué encuentras en el folk del este y cómo encaja con los sonidos electrónicos?
Me gustan los ritmos, la pasión… si escuchas una canción de los Balcanes, por ejemplo, hay mucha energía en ella, puedes sentir la cultura, su temperamento, la vida…y al mismo tiempo adoro sus melodías melancólicas – sí, ¡a veces pueden ser bastante patéticas también y puede ser demasiado duro! Toda esa queja y sufrimiento que suena como si disfrutaran en su papel de víctimas… ¡Es parte no me gusta! Creo en la responsabilidad. Al mismo tiempo me gustan los sonidos “tristes”. Son una expresión emocional de cómo reaccionamos ante la experiencia de la vida. Y por lo que respecta a tu pregunta sobre los sonidos electrónicos y cómo encajan, ¿no son todos los sonidos eléctricos de alguna manera? Para mí la cuestión no es si encajan sino una cuestión de gusto. Amamos la música. La razón por la que amamos ciertos sonidos reside solamente en el instrumento que los crea. Creo que esto depende de cómo suenan y cómo la música nos afecta.
“Immer so tun als ob” va profundamente en contra de las normas sociales y sus convenciones con una melodía muy melancólica, como si todo estuviera perdido. “Sein oder Nichtsein”, cantas. ¿Hemos vendido nuestras almas?
“Always act as if” es una canción que quiere recordarnos que debemos mantenernos en pie ¡por nosotros mismos! Es una canción protesta que critica la superficialidad de nuestra sociedad mostrando lo fácil y rápido que está descarriando… Una crítica a decir cosas que suenan bien pero sin un significado profundo ni una verdadera intención de luchar por lo que se anuncia (por ejemplo, los políticos y sus discursos). Y lo encontramos en diversos niveles sociales… Fachadas pulcras, gente haciendo malabares con las palabras y los gestos y siempre actuando como si fuera natural, escondiéndose a sí mismos tras todo ello… quizás ahora es el buen momento para hablar del espejo: la gente puede ser como espejos, reflejando una imagen de sí mismos que responde a la que la sociedad quiere pero que no es su verdadero “yo” – éste está en algún lugar tras el espejo, probablemente amarrado y amordazado en un calabozo de sus almas, escondido e ignorado incluso por ellos mismos. Tendemos a dominar nuestros sentimientos con la razón. “Sein oder Nichtsein”, en castellano “Ser o no ser”, es, por supuesto, la famosa cuestión de la tragedia de Hamlet, “Prince of Denmark”, de Shakespeare… Hamlet tiene miedo de la acción resolutiva y tomar las riendas de su vida porque tiene miedo de la muerte. Supongo que hay algo de Hamlet en todos nosotros… todos somos almas que decidieron estar aquí en este momento del tiempo para experimentar la vida y tenemos la incertidumbre de adónde nos llevará esta vida.
En “Kotki Daw (Dos gatitos)” recuerdas una canción polaca infantil mientras el aire caliente de la noche entra en tu habitación por la ventana abierta. ¿La sensualidad es un gatito?
Kotki Dva es una canción sobre sueño y realidad y la pregunta “¿dónde está el punto de conexión?”… Arleta, una amiga mía, me cantaba la letra en polaco de esta canción mientras viví en Londres. Entrevisté a jóvenes mujeres de diferentes países que intentaban hacer su vida en el Reino Unido para un documental de la radio llamado “Shop girls”. De alguna manera, la melodía de Arleta se me quedó en la cabeza y años después, cuando regresé a Berlín, todavía recordaba la canción. Investigué un poco y otro amigo me dijo que es una canción infantil polaca que además aparece en una vieja película polaca en blanco y negro en la que una niñera la canta a un niño que no quiere dormir… Así que la canta una y otra vez hasta que se duerme… Esta historia me recuerda cómo a veces nos dormimos sin darnos cuenta y nuestra vida continua en el mundo de los sueños. O a veces nos despertamos pero en realidad continuamos dormidos, de manera que todo sigue siendo un sueño… Así que ¿cómo podemos decir si estamos despiertos o soñando? Leí una bonita historia de un filósofo chino. Una vez soñó que era una mariposa que volaba de flor en flor. Cuando despertó, estaba muy confuso y se preguntó si era un hombre que soñaba ser una mariposa o una mariposa que sueña ser un hombre… ¡Me encanta esta historia! ¿No es un pensamiento interesante?
Esta canción acaba con una luz azul en tu habitación y luego cantas “Zitronenblau (Limón azul)”. Tu origen es amarillo pero tu limón es azul en un juego de luces y sombras. ¿Tú también eres un limón azul?
La canción acaba con un gato gigante vestido de tigre y con tacones altos y unos brillantes ojos azules… es un gato salvaje, intentando seducir al oyente con su cat appeal… ¡ten cuidado!
"Zitronenblau” es una canción muy diferente. Escogí un limón intencionadamente porque si pensamos en limones se nos hace la boca agua porque tenemos una idea sensual de la fruta y lo sentimos así. Recordamos el gusto, su olor al instante de escuchar su nombre… y por supuesto los visualizamos, así que sabemos que primero son verdes, antes de recolectarlos, y luego de un brillante amarillo… Decidí cantar sobre un limón azul para añadir un momento de confusión, de surrealismo… ¿no crees que los limones azules son hermosos? El tema de la canción es una invitación al aquí y ahora, a vivir el momento. Todo lo que cuenta es el ahora, lo que vivimos ahora, lo que sentimos ahora. Nunca podemos describir con palabras o imágenes lo que experimentamos, siempre será una interpretación de nuestra experiencia. La experiencia es “ahora”.
Una cierta tristeza domina el disco, ¿la vida es una experiencia triste?
La vida es una experiencia. La manera de reaccionar ante ella son nuestras emociones. Y hay un espectro muy amplio de ellas, dependiendo de lo que experimentamos. Las emociones tristes son en cualquier caso parte de ella y no podemos negarlas. En nuestra sociedad nos han entrenado para funcionar en todo momento y necesitamos ser felices. La felicidad no es un estado permanente, es momentánea. Felicidad y tristeza son lo mismo. Hay momentos de felicidad y otros de tristeza. Si quieres vivir todo tu potencial, necesitamos abarcarlo todo y esto significa estar en contacto con nuestro dolor y nuestra tristeza.
Háblanos de los músicos de la orquesta.
El líder de la orquesta es mi amigo August, August Engkilde. En la revista Grooves escribieron hace tiempo que August es el nuevo Teo Macero y debo decir que realmente es un fantástico productor con un enorme talento y un destacable oído. Crea unos sonidos muy detallados, limpios y cohesionados y me siento muy contenta de que accediera a trabajar conmigo. August es una gran fuente de inspiración para mí y un gran maestro. Aprendí ya mucho de él y por suerte es muy paciente ; ). Nunca aprendí profesionalmente a tocar un instrumento, puedo tocar los acordes principales en una guitarra acústica y algo al teclado, melódica y campanas. Puedo escribir letras y las melodías me llegan con facilidad. Suficiente para crear las ideas básicas para una canción o tocar música LOFI. Solía hacerlo antes e incluso hice un tour por Siberia con mi pequeño teclado Casio. Fue divertido por un tiempo. Pero cuando escuchaba aquella música me cansé del viejo teclado retro tras algún tiempo. Entonces quise escuchar más… Quiero descubrir sonidos en grabaciones que nunca antes he escuchado. Disfruto descubriendo. Mi sueño era crear un álbum con diferentes sustratos. Tengo los conocimientos básicos sobre grabación y producción, pero mi principal interés es cantar y contar historias. De todas formas, quería trabajar con alguien con la misma pasión por la producción que la mía por cantar y compartir mi pasión por contar historias – ¡August! Para “Hinter dem Spiegel” muchas de las canciones estaban listas a un nivel básico – acordes, voces y melodías. Sin August ninguna de ellas sonaría tan bien como en el disco. Él crea cristales brillantes de piezas de cristal en bruto… y estoy muy orgullosa que lo hiciera. Es un músico profesional que estudió jazz en Copenhague y Nueva York. Su instrumento solía ser el bajo, pero es muy multi-instrumentista ahora mismo. A diferencia de mí, tiene una gran experiencia haciendo discos. Ha participado en más de 30 producciones de jazz, latino, electro, dub, hip hop, break beat y otros estilos electrónicos experimentales en sellos de renombre, en proyectos propios o con otros músicos como Pole o Señor Coconut.
Volviendo a tu pregunta, August es la orquesta principalmente pues el toca casi todos los instrumentos del disco. Yo también toco la melódica, las campanas y teclados y un amigo toca la guitarra acústica y Richard Eigner la batería en algunos temas. En la mayoría de los conciertos nos acompañamos por la orquesta en digital y mi amigo Christian. Christian Buchmayr es un arquitecto que ha desarrollado un sorprendentemente hermoso concepto visual para nuestros conciertos. Es un artista conceptual que utiliza mucho material propio, combinando fotografía analógica y herramientas 3D digitales, que se suelen usar en arquitectura. Es diseñador y arquitecto y le gusta jugar con la geometría, formas abstractas, superficies, colores, ritmos y proporciones. Sus composiciones son muy sutiles y atmosféricas, creando modelos emocionales que interfieren con el entorno y los sonidos, añadiendo una nueva capa a nuestra música y al concierto.
Hace tiempo no fue posible actuar con más de cuatro personas en el escenario por una cuestión de presupuesto, sabes… pero nuestro sueño es tocar algún día con una gran orquesta real. Quizás después del próximo disco. ¡Crucemos los dedos!
Manuela Krause, desarrollas tu actividad artística en campos diversos, por ejemplo, interpretando el papel protagonista en una versión techno del musical “Cabaret”. ¿Qué representa para ti la creación artística?
La creatividad se puede expresar de varias maneras. A veces cuando trabajo demasiado en mi ordenador, hago pan o un pastel. Es una gran vía de creación, especialmente porque después me lo puedo comer ; ). Para mí, es muy importante crear algo, si no lo hago, siento que voy a explotar. Me enfado y me pongo triste y depresiva. Crear es una manera natural de celebrar la vida. Soy la más feliz cuando creo. El resultado no es importante – vale, excepto si es un pastel o algo así, entonces el resultado es importante también ; ). Pero es el proceso, estar envuelta en él, los hechos, la improvisación, viendo cómo algo pasa de abstracto a una forma concreta. Es mágico, genial y nuevo cada vez. Me encanta formar parte del proceso creativo. No necesito pensar mucho en él. Ocurre de manera natural si no me reprimo. Es un reto diario que te mantiene activo, cambiante todo el tiempo y me hace sentir viva.
Dime un color como símbolo de tu presente y otro para cuando piensas en el futuro.
Mi color es el verde, siempre – es el color de la naturaleza, el color de la vida, de las plantas, el verde es calma, el verde crece, verde es el símbolo de la esperanza y la supervivencia. ¿Sabías que el verde está en las banderas de muchos países desérticos? Sólo sobrevives a un desierto sin fin si llegas a un verde oasis a tiempo…
Entrevista de Juan Carlos Romero
Foto cortesía de Ljiljana Petkovic
Foto cortesía de Ljiljana Petkovic
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