“This a fact: there are more stars in the universe than grains of sand in the Sahara desert. Imagine that everything could speak. What a noise! Cosmic soundscape! Unbind your mind! International absurdities, universal illusions, cosmic disorientation. That’s what we need to keep mother earth spinning!” Grace Ellen Barkey busca toda esa luz mientras construye con su propia arena piezas teatrales surrealistas que nos hacen ver la luz en la sombra. This door is too small (for a bear) (2010) es su nuevo trabajo coreográfico en la búsqueda de liberación.
Grace Ellen Barkey nació en Surabaya, Indonesia, y cursó estudios de danza en la escuela de teatro de Ámsterdam. Mientras desarrollaba su carrera como actriz, bailarina y coreógrafa, fundó junto a Jan Lauwers la Needcompany, rayo incesante de nuevas perspectivas desde un escenario. Barkey es su coreógrafa así como creadora de muchas de sus piezas como Stories (Histoires/Verhalen) (1996), Rood Red Rouge (1998) y Few Things (2000), (AND) (2002), con la que su creatividad fluye entre la danza, la música y el teatro con fascinante naturalidad, Chunking (2005), de enorme reconocimiento, y The Porcelain Project (2007), donde continuó cuestionando los límites entre disciplinas artísticas, realizando un imponente trabajo coreográfico además de crear una instalación junto a Lot Lemm, su más firme colaborador artístico, quien creó unas esculturas con las que Barkey entabló conversación entre cuerpos y objetos, líneas y curvas, liberando erotismo y oscuridad.
También su arte tiene vida más allá de la Needcompany, habiendo producido obras como One (1992), Don Quijote (1993) y Tres (1995). De la misma manera, su trabajo como coreógrafa y actriz la llevan a participar activamente en las creaciones de Jan Lauwers, como en la reciente The art of entertainment (2011) o en las anteriores The Snakesong Trilogy - Snakesong/Le Voyeur (1994), Caligula (1997), Needcompany’s King Lear (2000), Images of Affection (2002), No Comment (2003), The Lobster Shop (2006), The Deer House (2008) y el primer proyecto fílmico Goldfish Game (2002).
This door is too small (for a bear) (2010) es su nueva colaboración con Lot Lemm. En 2004 crearon Lemm&Barkey encargándose del diseño de vestuario de Isabella’s Room (2004) entre otros proyectos. Su nueva colaboración vuelve a liberar la creatividad surrealista y el sentido del humor absurdo de Barkey, retratando nuestro mundo de la única manera posible: la grotesca. Lot Lemm, Misha Downey, Julien Faure, Yumiko Funaya, Benoît Gob, Sung-Im Her and Maarten Seghers, hacen bailar sus ideas y visiones sobre el escenario que Barkey dibuja y trocea una y otra vez, encontrando cielos bajo la tierra y bebiéndoselos para labrar su mente de ventanas abiertas, de aires nuevos con que respirar poesías húmedas y ríos gaseosos que nunca han existido pero que siempre han estado ahí, donde nadie los ve. Los arpegios de la música de Rombout Willems acompañan tales movimientos. Al final, la puerta es demasiado pequeña para un oso y demasiado abierta para la grisácea cotidianidad. Barkey es la llave que abre esta puerta hacia los pies en el cielo.
Texto de Juan Carlos Romero
Fotos de Phile Deprez y Maarten Vanden Abeele. Foto índice de Anna Stöcher
SER O NO SER
Of Montreal
“I know there ain’t no one person that everybody else in the world hates on, wants to die, sometimes I do think it’s me, like I’m in a fight simulator and I am crushing the birth of any potential memory I’m still way erect for you, not going to lie. You cured me of my death anxiety, only took you two tries. The head scene dropped the vaccine, and I’ve chosen a very powerful penance” El inicio de su reciente False Priest (Polyvinyl Records, 2010) es la canción I Feel Ya’ Strutter, donde la ansiedad hacia la muerte se transforma en expresión psicodélica que desborda escenarios de todo el mundo. Sus conciertos son toda una explosión de vitalidad en contraste con sus letras donde se debaten en un eterno ser o no ser.
Un concierto de Of Montreal implica bailar hasta altas horas de la madrugada abrazado a un luchador mexicano llevando unos calzoncillos fosforescentes y una pistola de agua con la que saciar la sed de vitalidad. Si disparas puedes matar el aburrimiento, aunque sólo sea por un instante. El nuevo disco de Of Montreal no decepciona en directo, más bien lo expande. Los horizontes que dibujan en directo puede que sean efímeros, y hasta aleatorios, pero los soles que en ellos se esconden nos alumbran hasta el todo es posible y que si todo está inventado hay que inventarlo de nuevo. El mar olea cromáticamente y produce sonidos que gotean en nuestra mente para dibujarla de otra manera, más abierta y permeable al profundo argumento.
“You’ve got that kind of beauty that makes people nervous, I know it’s fucked, but before we got together I even hooked up with one of your cousins. Just to feel somehow closer to you. Because I knew like you guys were best friends and you talked everyday and it was thrilling to touch something that had touched you. In my head you were like this goddess, but, in fact, you’re just a crazy girl”. Todo bajo confetis de colores y luces de bohemia sin pensar adónde ir pero haciendo camino, aunque sea en círculos. Al final del disco, sueltan la terrible y certera conclusión “If you think God is more important than your neighbor you’re capable of terrible evil”. También en lo creativo.
Texto de Juan Carlos Romero
Foto cortesía de Primavera Sound
DESDE LA ENTRAÑA
Mara Mattuschka
No hay futuro, no para ti ni para mí ni para vosotros ni para ellos aunque estemos todos juntos y al vuelo nos resuenen las ideas como si pasaran por aquí o allí o por todas partes. Los terrones de azúcar hace ya mucho tiempo que dejaron de serlo, los sueños están rotos y arreglarlos sería demasiado caro, pensad sólo en la factura por la mano de obra. Como en todo, al final, lo mejor es comprar uno nuevo, excepto el mío, que salió muy bueno. Mi sueño, y mi mono, crecieron en fotogramas contestatarios, impregnados de hálitos de Anger, Deren y Duchamp, y con huellas de Mara Mattuschka haciendo el amor con un Walt Disney incrédulo y pasmado. El mundo cambia, sobre todo después de tender tus recuerdos al sol de películas como Legal Errorist, todo un tiempo pluscuamperfecto y excéntrico, como la vida, si se vive.
Nacida en Sofia, Bulgaria, en 1959, es calificada de cineasta punk. Desde hace años reside en Viena desarrollando una fructífera carrera artística en el cine, la pintura y el teatro, todo ello mediante estudios en etnología, artes aplicadas al cine de animación y lingüística. Compagina su creatividad con la enseñanza siendo además miembro del Austria Filmmakers Coop and committee member of ASIFA Austria.
Obras como Parasymphatica (1985), S.O.S. Extraterrestria (1993), ID (2003) o las realizadas junto al coreógrafo Chris Haring Legal Errorist (2005) y Burning Palace (2009), son muestra de su actitud iconoclasta. En las primeras, Mattuschka protagoniza sus propias filmaciones interpretando el personaje Mimi Minus con el que explora la locura, el cuerpo y la identidad. En S.O.S. Extraterrestria una criatura enorme trae la destrucción, mientras en ID la propia identidad queda en cuestión transformándonos en monstruos adaptados a las normas sociales. Un Fausto en carne viva. Las películas junto al enorme talento de Chris Haring representan un tratado del movimiento desde una visión muy personal.
La más reciente Burning Palace empieza con la frase “You only have a split second of a pose to multiply your transgression.” Un juego erótico entre cinco personajes en el Burning Palace Hotel se muestra como una obra transgresora en la que los gemidos, los cuerpos y los deseos ocultos acaban por crear una atmósfera grotesca. Las entrañas al aire.
Texto de Juan Carlos Romero
Fotos cortesía de Transmediale Festival
MÁS BELLO
Dean & Britta
Dean Wareham & Britta Phillips son antiguos miembros de la banda Luna, autores de delicias a golpe de vibración electromagnética desde que en 1992 Dean Wareham formara la banda y llegaran a grabar siete discos de estudio hasta la grabación del documental Tell me do you miss me en 2005, poniendo fin al proyecto. Dean Wareham también había formado el proyecto Galaxy 500 mientras que Britta Phillips había tocado en otras bandas y actuado en proyectos cinematográficos.
Dean & Britta nace antes del final de Luna. En 2003 grabaron L’Avventura donde versionaban temas favoritos. Tras un EP de remixes llamado Sonic Souvenirs, bajo la dirección de Sonic Boom, llegó el segundo trabajo Back Numbers (2007) y la banda sonora de películas como The Squid & the Whale de Noah Baumbach.
Su último trabajo es 13 Most Beautiful...Songs for Andy Warhol's Screen Tests (2010), un proyecto nacido de la propuesta del Andy Warhol Museum y el Pittsburgh Cultural Trust para escribir canciones entorno a las películas Screen Tests que Warhol rodó como retratos mudos entre 1962 y 1966 en la Factory, y más tarde interpretarlas en directo durante su proyección, como parte de un show mulimedia. Todo ha dado como fruto un álbum doble de canciones que son una verdadera delicia para el oyente.
Desde el sugerente Silver Factory Theme inicial uno se percata de que la estética Warhol se adapta como un guante a las melodías de Dean & Britta. Not a Young man anymore nos remite a los inicios de The Velvet Underground y I found it not so es un sueño húmedo tejido en el cielo. Incandescent Innocence es etérea, flota por sí sola sin necesidad de llegar a ninguna parte. Y todo acaba dibujando Eyes in my smoke, donde las visiones se multiplican a ritmo de guitarra y voces entrecortadas que merodean los lados y aristas de la vida nocturna. Al final saldrá el sol, aunque nadie pueda asegurarlo.
Texto de Juan Carlos Romero
Fotos cortesía de Dean & Britta
MÁSCARA ROTA
Ester Bellver
Decía André Breton, surrealista al uso para muchos en desuso, a pesar de los pesares, pues hálitos como estos no se encuentran ni siquiera a pares sino más bien en nones, que amar es ver en otro nuestra imagen reflejada con la máxima claridad. De ahí que muchos prefieran buscar lo que se tiene de común, para evitar cualquier crítica. Lo llaman amor y se quedan tan anchos. Ester Bellver nos trae ProtAgonizo nacida de una ruptura personal que pronto se muestra como lo que es siempre nuestra vida, una farsa. Pocos escapan a ella porque pocos tienen el valor de enfrentarse a tal abismo, sin esquemas rancios preestablecidos. Así, el valor de descubrir, a uno y al otro, y si hay diferencia entre ambos, y sí la hay, disfrutarla como respuesta inmediata y cambiante. Ester Bellver, la autora y actriz, rompe y rasga.
Ester Bellver nos introduce la obra como una pieza teatral“basada en un texto nacido de la rotura personal que, por unos y otros motivos, un día le acontece a cualquiera. La vida pareciera detenerse y entonces se puede contemplar con asombro el personaje que le ha tocado representar en esta farsa. El descubrimiento de que uno no es uno. Su desmoronamiento. El abismo de no saber.” La experiencia es demoledora, si bien la magnífica interpretación de Bellver nos puede hacer pensar que el texto se le queda corto para los enormes recursos que tiene como actriz. Aún así, la rotura del espejo que nos propone es siempre incómoda, como una visión cruda de aquel Sunset Boulevard (1950) con que Billy Wilder desnudó el juego de espejos de la vanidad.
En la obra de Bellver tenemos el horror de romper la propia farsa soltándonos el aliento en la cara. “Una actriz contempla extrañada su imagen frente al espejo del camerino. En él se le irán apareciendo, como en una película, los diferentes escenarios transitados en su vida, reviviendo con ello los papeles representados en el teatro y en la revista de los años 80, género en el que debutó como artista…el resentimiento, los miedos, el éxito y fracaso del personaje que representa su vida y las múltiples caras que ha interpretado en la escena le hacen poner en cuestión su propia identidad. La actriz, enfrentada a si misma sospecha, “esa no soy yo”. Una rotura del espejo en mil pedazos, en mil caritas, anuncia su ‘última representación’.” Y duele, créanme, duele ver como alguien se sincera con un valor que nadie tiene. Romper los propios esquemas es aceptado como derrota social y no como un avance, de manera que ProtAgonizo se vuelve en catarsis de ruptura si uno entiende que las convenciones sólo nos llevan al éxito social si pagamos un alto precio, la renuncia a uno mismo. Aplaudir a Ester Bellver es hacerlo al talento, al valor de la duda y al amor para el que no hay ni rupturas ni vínculos, sino estímulo vital.
Texto de Juan Carlos Romero
Fotos de Tomi Osuna
RUIDO ATERCIOPELADO
Einstürzende Neubauten
Su música suena desde principios de los años ochenta y, por fin, publican uno de sus clásicos bajo su propio sello discográfico. Se trata de Silence is sexy (Potomak, 2011), ya publicado bajo el sello Mute Records en 2000. El silencio es sexy y mucho más cuando eres dueño del tuyo. Sólo desde tus silencios puedes convertir tus ruidos en terciopelos ensoñadores. Einstürzende Neubauten ha logrado su libertad.
El público que asistió al concierto en el Parc del Fórum de Barcelona el pasado mes de mayo, contemplaba más de treinta años de tuberías industriales y bombonas de aire comprimido surcando vinilos y láseres compactos en busca de libertad creativa. Era 1980 cuando esta banda originaria de Berlín irrumpió en el movimiento dadaísta Die Geniale Dilletanten, conocidos por su sonido industrial a base de sierras, taladros y demás herramientas. Dieron su primer concierto en el club berlinés Moon el 1 de abril de 1980, pero el primer disco no apareció hasta noviembre de 1981, Kollaps (1981). Ya han pasado treinta años y Blixa Bargeld, N.U. Unruh, FM Einheit, que abandonaría la banda, y los diferentes músicos que han pasado por la formación han declarado una y otra vez la guerra a las convenciones creativas. Su tremenda intensidad sonora y rítmica se ha ido desarrollando a lo largo de obras como Zeichnungen des Patienten O.T. (1983), 1/2 Mensch (1985), Fünf auf der nach oben offenen Richterskala (1987), Haus der Lüge (1989) y el propio Silence is sexy, que ahora reeditan.
“It's not the red of the dying sun. The morning sheets surprising stain. It's not the red of which we bleed. The red of cabernet sauvignon. A world of ruby all in vain.” El inicio de Sabrina abre este ya clásico álbum que tan sólo cuenta con once años de vida. Después, nos declaran que Silence is sexy, repitiéndolo como mantra que concluye “As sexy as death”, combinando palabras en inglés, alemán y francés. Recorren la existencia In cyrcles cantando “All the molecules, every single one, the atoms, their spin, their charge, their charme,in circles.” Enigmáticos como el emblema que siempre los ha representado. Cuando señalan que Heaven is of honey lo hacen recordando “Heaven is all remembered, is an idea for idiots possessed by gods that just waste space and in case I wake up without a pen I do not want to forget.” Elegantes, densos, oscuros, entienden la luz como creación surgida de uno mismo. Tejen terciopelos con hilos de ruido, golpean las tuberías de la entraña social sacando su mejor y peor brillo. Y me quedo a solas con mis silencios.
Texto de Juan Carlos Romero
Fotos cortesía de Primavera Sound
ALMA MATER
Anne Pigalle
Baila sobre el misterio de la vida con una pasión incesante. Sensual en su poesía, cargada de humor y erotismo, de estética elegante y atemporal, vive envuelta por el humo del arte, cuyos cigarros ella misma envuelve con minuciosa creatividad para fumarlos lentamente justo antes del arrebato carnal. Una vez allí, en ella todo es posible. Su pulsión se traduce en música, fotografía, pintura, poesía y vida. Su habitación es lugar donde perderse, si ella te deja entrar, y su erotismo aflora en cada palabra, cada susurro, cada mirada, terrenos sin fin de luces certeras tan pronto puñales como caricias inolvidables. Ella busca la comprensión, el entendimiento. L’Ame Érotique.
¿Eres de verdad?
¿Tú qué crees?
Música, pintura, actuación… ¿la vida es suficiente?
Durante el día no hay tiempo suficiente, eso es seguro.
Una de tus pinturas se titula Giving sex for free. ¿Crees que el sexo es una puerta abierta a la libertad?
El deseo lo es, de alguna manera, pero hace referencia al amor: el amor sólo se puede dar sin esperar nada a cambio.
Tu nuevo disco es L’Ame Érotique. ¿De dónde viene tu alma erótica?
Fue el concepto de mi primera exposición artística; los hombres suelen, más que las mujeres, encontrar difícil el matrimonio de amor y erotismo. Mi trabajo y mi concepto vienen de relaciones fallidas y la búsqueda de entendimiento.
Cantas al Saint Orgasm. ¿El orgasmo es una experiencia mística?
Por supuesto.
“...sour sugar...give me my pray...”. ¿Por qué rezas?
Rezo por una mayor comprensión entre la gente.
El video With my blonde lo presentas como creado “in the name of ART, LOVE, TRUTH, PLEASURE AND FREEDOM. It stands against DOMINATION - Its cost is STYLE, PERSISTENCY, FRIENDSHIP AND LOTS OF BELIEF FOR A WORLD WITH MORE JUSTICE “. ¿Las convenciones sociales, incluidas las sexuales, están creadas para la dominación?
Bueno, creo que nos marcan cómo vivir, incluso nuestra vida sexual. Estaría bien ver a la gente pensar por sí misma.
El surrealismo tiene un rol principal en tu arte. Fantasía, imaginación y realidad… ¿Existe alguna frontera entre ellas?
Todas son arte.
X Amount dice “I want to fuck you and be the best, I want you to fuck me and put me to the test...I want to suck you and then eat your cream...”. Entonces recitas una serie de palabras que contienen la X: X file, seX, eXecution… X es además símbolo de misterio y prohibición. ¿Por qué el placer va siempre ligado a prohibición?
El poema contiene además una pequeña dosis de humor, como todo lo que hago. En este caso, era un poema sobre un chico/hombre que no podía tener, de todas formas, de alguna manera, un deseo erótico prohibido.
E-rotica de toi juega en su título con las actuales maneras electrónicas de disfrutar del sexo desde el anonimato. ¿Qué opinas del cibersexo?
Bueno, es un oxímoron, puedes fantasear en la red, pero no tener sexo. De todas maneras, es una buena pregunta.
¿Qué significa la penetración para ti?
Significa.
Sulfur te muestra susurrando sobre la petite norte como una experiencia ardiente. ¿La vida es una experiencia de autodestrucción?
Bueno, el sexo, el amor y viceversa, no son una experiencia fácil. Pero no deberías querer que lo fueran, las mejores cosas no lo son.
Let love save us es una pintura en la que criticas de nuevo la dominación. ¿Qué es el amor?
¿Qué es esa cosa llamada amor? Me he pasado la vida redefiniéndolo, es un cóctel complejo, compuesto de varios ingredientes, diferentes según los diferentes gustos…pero sí…nos salvará.
¿Puedo entrar en tu baile?
Por supuesto…cuantos más locos seamos más reiremos!!!
Y bailo sin parar no sólo en busca de carne sino del alma felina que redefine el amor una y otra vez.
Texto de Juan Carlos Romero
Foto de Anne Pigalle
TRAS EL DESPERTAR
Mariel Mariel
La música es buena es el nuevo disco de la cantautora chilena Mariel Villagra bajo el nombre Mariel Mariel. Un sonido más electrónico que en su anterior No me despierten! (Sello Azul, 2007), y profundiza en la creación entre hip hop, electro, house, rock y canción romántica. Su personalidad da muestras de una mayor visión, prescinde de las versiones y defiende unas canciones propias que caminan por la cotidianidad de día y de noche. Se libera de los instrumentos para bailar sobre el escenario, pero sin abandonar la idea de que el instrumento es la base de todo. Mariel tiene claro que la música es para disfrutar, reflexionar, criticar, acariciar…la música es buena.
Tu anterior trabajo se tituló “No me despierten!”. ¿No te gusta la realidad?
No me gusta la rutina ni sentirme presa de un sistema anulador de sueños e ideas creativas. Me aburre cuando todo empieza a parecerse o a guiarse por tendencias visuales superficiales. “No me despierten!” fue mi declaración de rebeldía, de pasión por el riesgo, de embarcarme en un proyecto de arte por sobre el exitismo, en pro del auto conocimiento y de fortalecer mi oficio, esperando que en un tiempo esto pudiera comunicar algo que aporte.
Este álbum abría con “Aconséjame” hablando de la contradicción entre acciones y palabras. ¿Crees que nos falta comunicación?
Siento que a veces nos falta lenguaje. Para entenderse bien hay que comunicar con todos los sentidos. Siempre en las malas relaciones hay palabras y gestos que sobran. Que ganas de siempre poner fin a tiempo a relaciones tóxicas, saber dejar las obsesiones. El cuerpo, la mente y el corazón dan señales rápido, en nuestra inteligencia está como usemos el lenguaje para resolverlo.
El tema “No puedo estar” tiene una sonoridad de ambiente nocturno, de calles oscuras y soledades dolientes. “Sin cariño me enfermo”, cantas. ¿Amar es sufrir?
No, amar para mí es aprender, es crecer, entregando tu vida y tu energía a algo fundamental y profundo como es este sentimiento tan poderoso y tan sensible. Amar es un arte de larga escuela. Hubo una época en que el amor me era doloroso. El de familia, de pareja o conmigo misma, era muy difícil amar, pero es un sentimiento tan grande que elegí lanzarme al vacío por él, conocerlo, sufrirlo, desgarrarme. Me sentí valiente al darlo todo.
“Sé” es más melancólica, como aceptando una derrota. ¿No hay esperanza?
La esperanza la llevamos en nosotros mismos y ha sido uno de mis pilares. Las pérdidas y decepciones vienen de afuera. “Sé” es mi lección de desapego y de intuición. Hay cosas que no funcionan y es mejor decirles adiós. Un día brillamos y al otro nos invade la oscuridad, rotando por este Universo. Prefiero estar consciente de esto que darme un tropezón o caer en depresiones.
Luego todo se torna dulce y seductor en “Quererte bien” con cierto toque bossanova, como también en “La gata”. ¿De dónde te llegan las influencias?
Lo dulce y seductor es Sudamérica, mi lado del mundo. Belleza y melancolía son buenos ingredientes a la hora de la inspiración. Me gusta ser latina y llevar calor en la piel. Tener un poco de todas las razas.
¿Creciste en una familia relacionada con la música?
Sí, mi padre es músico. Mis abuelos paternos son profesores de letras y artes. Cuando era niña viví eso desde muy cerca. Luego mi padre se fue varios años y nos quedamos mi madre, mi hermana y yo. Mi mamá era muy joven y con 2 hijas, vivimos su juventud junto a ella, fue intenso, pero me gusta que haya sido así, la conozco bien. Yo seguí ligándome personalmente con la música, fue creciendo en mi mundo interior. Nunca me impusieron ser artista, ni cumplir metas ni ser mejor que nadie. Desde pequeña me gustaba estudiar y auto disciplinarme, no daba muchos problemas, siempre fui independiente y esperaba con ansias ser mayor de edad, para hacer lo que me diera la gana sin dar explicaciones.
Tu nuevo trabajo se titula “La música es buena”. ¿Cuál es tu implicación es tu implicación en la composición, interpretación y producción de las canciones?
Las canciones las escribí todas, música y letra. La producción estuvo a cargo de Arturo Medina, chileno con años de carrera musical en México y la pre producción la hice junto a Andrés Landon, músico chileno-francés que dirige mi banda desde “No me despierten!”. Procuro estar presente en todas las facetas de mi música. En este disco di mucha libertad al productor y creo que en esta etapa de mi carrera ha sido un aporte.
El tema “Experimento” trata el tema de los miedos, las convenciones sociales y las relaciones personales. ¿Eres temerosa?
No me siento temerosa. A veces me asusto con un trueno o al cruzar la calle, o al dimensionar los contrastes de oportunidades con que juega la ambición de poder en el mundo, pero no vivo con miedo. Dejar la vida en mi país, uno de los rincones más estables y tranquilos de Sudamérica, para venirme a vivir a Ciudad de México, una de las capitales más peligrosas, me aleja del miedo. Estoy dispuesta a construir la vida donde tenga que hacerlo y partir de cero todas las veces necesarias. Experimento es un mensaje para muchos amigos y para gente que he visto llena de talento, pero lejos de alcanzar sus metas, por llenarse de excusas que limitan esos deseos. Por miedo, comodidad o barreras auto impuestas te pierdes de muchas cosas, yo prefiero experimentar.
“Nos llevamos tan bien” cuenta con la colaboración de Natalia Lafourcade. ¿Buscas mucho la colaboración de otros músicos?
Al llegar a México, tuve la fortuna de tener cerca a artistas que admiro y quiero, como Natalia, Leonel García o Juan Manuel Torreblanca. Se podría decir que no fue una búsqueda, fue algo espontáneo. Yo andaba buscando un rumbo de vida en un nuevo país y ellos fueron claras señales de un camino que invita a recorrerlo. Me gusta colaborar, sentir que estamos construyendo una nueva generación de música latina, ejercer al cien por ciento el oficio de músico es lo que más me hace feliz en este momento de vivir en México.
¿Tú eres buena?
Quiero serlo. Tengo un carácter fuerte, soy orgullosa pero no soy tonta, así que me doy cuenta rápido cuando la estoy cagando y pido perdón.
Humildad no muy habitual, así como su perspectiva en la carrera musical, siendo consciente de las dificultades pero firme en la creencia de que la vida creativa es su vida.
