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| © Brigitte Chinchilla |
SUMARIO
PORTADA de Brigitte Art
NAU
Emociones reales
Pierrot
NUA
PIERROT
Impacto de la libertad
Pierrot, el enamorado de la luna, siempre ha sido uno de mis personajes
favoritos. Personaje nacido de aquella Commedia dell'Arte que irrumpió en la
Italia del siglo XVI originalmente con el nombre de Pedrolino y con un carácter
irreverente, a su paso por Francia fue adquiriendo modales y una expresión más
melancólica, y que hoy es para todos la del payaso blanco. Y, por supuesto,
también azul, tras la icónica imagen de Jean Paul Belmondo en la magnífica
película Pierrot le fou de Jean Luc Godard.
Barcelona tuvo su propio Pierrot, aquél creado como alter ego del
artista Antonio Gracia José, polifacética energía creadora que paseó su enorme
talento desde el cabaret a las artes gráficas. Actor, dibujante, escritor,
showman, Pierrot fue pionero en el cine experimental y de terror. Fallecido
recientemente, l'Antic Teatre de Barcelona le rinde homenaje. Pierrot estrenó
muchas de sus obras de terror del que denominó Teatro de impacto en este teatro
cuando aún se llamaba Círculo Católico San José. Todos sus montajes escénicos
acababan siendo películas en Súper 8, siendo algunos títulos La
muñeca, Vampiros, Miss Drácula o Poseídos. Su estilo underground de
factura amateur era fruto de una visión muy personal y de su amplio
conocimiento visual como diseñador gráfico y fue proyectado en distintos
festivales de cine de terror, así como sus carteles fueron imagen en el
Festival de Sitges en muchas ocasiones.
Ahora se le recuerda mediante la exposición de sus obras gráficas
y la proyección de material audiovisual. Y podremos recordar que debemos ser
realistas y pedir lo imposible: la luna.
Texto de Juan Carlos Romero
Foto de Antonio Gracia José
Foto de Antonio Gracia José
Todos los derechos reservados
GERHARD RICHTER
Arte de proa
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| © gerhard richter 2012 Gerhard Richter, 'Betty', 1988, huile sur toile, 102x72cm Saint-Louis Art Museum Gerhard Richter 2012 |
"Se estableció en el otro
extremo de la góndola y se acostó, frente a mí, con la cabeza sobre su propio paquete
miserablemente pequeño y no dijo nada". Este es un extracto de la novela Los vagabundos del dharma escrita por
Jack Kerouac en los años cincuenta, y se adecúa perfectamente bien con mi
sentimiento frente a la obra artística de Gerhard Richter. Me lo imagino
perfectamente yendo una y otra vez hasta el otro extremo de nuestra góndola
social, sentado allí mismo, en su propio proceso creativo y sin decir nada, aún
cayéndose, dejándonos solos ante la realidad y frente a todas las preguntas que
crea alrededor de ella. No hay una respuesta sin pregunta, no hay éxito sin
errores, no hay vida sin caer, no hay arte sin una pregunta, y no hay pregunta
sin pasión o sin miedo, las dos caras de una misma moneda.
La proa del arte Gerhard
Richter proviene de un renacimiento continuo. El artista alemán dice que en su
obra no tiene intención, ni programa ni ningún estilo o tendencia a seguir. De
las concepciones abstractas a las obras fotorrealistas, Gerhard Richter se ha
convertido en una de las figuras principales en el juego de la proa artística
actual. Su exposición Panorama presentada
en el Centre Pompidou de París y la Tate Modern de Londres, es un recorrido a
lo largo de su camino creativo todavía vivo. Cinco décadas de reflexión social,
desde el terror del nacionalsocialismo a su obra September 2005, un cuadro de los ataques terroristas contra el World
Trade Center de Nueva York en 2001. Y cinco décadas también en la investigación
artística, desde las pinturas creadas a partir de fotografías en blanco y
negro, tanto retratos como en Helga
(1965), como vistas aéreas panorámicas como en Cityscape Madrid (1968), a las pinturas borrosas como en Ema (Akt auf einer Treppe) (1966) y su famoso Autoportrait
de 1996.
Confieso mi fascinación por
este viaje desde el realismo a lo abstracto, como la Tante Marianne extraída de la percepción normal y llevada a un
nuevo nivel en el que la existencia individual y como la gente la percibe pueden
verse de muchas maneras diferentes y cada una de ellas nos lleva a nuevas
preguntas y respuestas aún más claras. Al final, cuando uno ve su Kerzel / Vela (1982) y se pregunta
acerca de la existencia toma conciencia de su condición efímera, el Schädel / Cráneo (1983) es nuestro fin
común, pero Gerhard Richter es capaz de darnos una sensación más atemporal, una
escobilla de goma en la concepción normal de tiempo, la idea de la equivalencia
entre materia y energía y su transformación eterna. La realidad es abstracta.
Texto de Juan Carlos Romero
Obra Betty de Gerhard Richter. © gerhard richter 2012
Imagen cortesía de Centre Pompidou, Paris
Todos los derechos reservados
Obra Betty de Gerhard Richter. © gerhard richter 2012
Imagen cortesía de Centre Pompidou, Paris
Todos los derechos reservados
MARTA BUCHACA
Emociones reales
Érase una vez un drama profundo creado sin lágrimas
fáciles. El público no tenía violines en el horizonte subrayando las escenas supuestamente
más duras, por lo que estaban solos frente a la intensidad de la obra y sus
intérpretes. Estoy hablando de la obra Litus
escrita y dirigida por Marta Buchaca y presentada en el Teatre Lliure de
Barcelona.
Litus
es acerca de la experiencia de vida. Eso puede sonar demasiado general, o tal
vez demasiado obvio, pero todos podemos estar de acuerdo en la idea de que la
vida es cualquier cosa menos simple, por lo que no es fácil de expresar esa
complejidad en una obra de teatro sin caer en los terrenos comunes y
utilizarlos con el fin de captar la atención de la audiencia. Siempre es más
fácil decirle al público lo que quiere oír, es decir, sus creencias reales, que
ponerlos ante un espejo crudo. Y ese espejo no es otro que la idea de que la
vida es algo que debemos experimentar. Todo tiene su lado bueno y el contrario,
pero finalmente incluso en el lado oscuro de nuestra luna personal, podemos
encontrar la respuesta para continuar con nuevos deseos. Litus es sobre ambos lados, el luminoso y el oscuro, la vida y la
muerte y la forma en que ésta última, cuando le pasa a alguien que amamos, puede
cambiar nuestras prioridades. El tiempo pasa y es nuestro deber vivir nuestras
emociones en cada momento del día, sin engaño, porque la vida no es un negocio
y el amor es todo lo que tenemos.
El magnífico trabajo del elenco formado por Sara
Espígul, Borja Espinosa, Josep Sobrevals, Sergi Torrecilla y David Verdaguer, te hace pensar que todo lo que estás viendo y
escuchando es real por lo que el escenario desaparece y Litus finalmente se convierte en parte de tu propia vida.
LITUS vídeos aquí
Texto de Juan Carlos Romero
Foto de Roser Blanch cortesía de Teatre Lliure. © Roser Blanch
Todos los derechos reservados
BONNIE PIESSE
Amor interior
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| Foto de Jennifer Stenglein. Tots els drets reservats |
Ella es todo lo que tiene, y
créanme, eso significa mucho más de lo que parece. Bonnie Piesse es una
cantante con una voz que nace en la dulzura profunda de la vida mientras sus
letras se acercan a las experiencias oscuras con el fin de sacar un poco de luz
de ellas. Cree en el amor verdadero, el que viene de nosotros mismos para ser
compartido con todos los regalos, personas y experiencias de la vida. Ella es
más conocida como actriz por sus trabajos en series de televisión y sobre todo
debido a su papel de Beru, la mujer que cría a Luke Skywalker en Star Wars de George Lucas. Pero sobre
todo ella lo que quiere es cantar y escribir canciones personales, incluso
cuando compone para una película, porque sus canciones son su manera de
compartir todo su amor con todos nosotros, y eso sólo es posible si nacen de su
propia alma. Después de un gran álbum de debut titulado The Deep End, está trabajando en estos momentos en su próximo EP y
la promoción de su plataforma Indie Go Go
con el fin de obtener la ayuda financiera para terminarlo.
¿Qué es "Todo lo que
tienes"? (Por su canción All I have)
All I Have en realidad trata de mostrar totalmente mi
corazón a alguien... de bucear en profundidad y estar ahí para los demás al
100%... ¡lo que es algo muy vulnerable por mi experiencia! La letra" Daría
todo lo que tengo por estar contigo" es como decir que me gustaría bajar
la guardia, bajar todas mis barreras, para estar totalmente con alguien.
¿El amor es lo más importante
en tu vida?
En realidad, es una de las
cosas más importantes sí. Pero no es "amor" tal y como la mayoría de
la gente lo ve... (es decir, el amor romántico). Aspiro a experimentar el amor
tanto como sea posible, cosa que estoy empezando a comprender cada vez más, un
amor que viene de mí y sólo en mi experiencia. Estoy aprendiendo a ser valiente
y tomar decisiones desde el lugar del amor... lo cual puede ser bastante
incómodo y aterrador a veces... pero es tan, ¡tan importante!
¿Es cierto que empezaste a
cantar antes de hablar?
¡Ja ja, sí, aparentemente! Mi mamá dice que yo cantaba desde
muy niña... especialmente cuando ella conducía yo estaba en el asiento trasero
del coche jugando con mi voz siendo tan sólo un bebé. Y cuenta empecé a
componer canciones muy pronto y que iba a tratar de enseñárselas a ella para
que pudiéramos cantar juntas (supongo que es cuando yo ya empecé a hablar). Me
encanta saber que he cantado todo el tiempo que puedo recordar.
Y superados algunos obstáculos,
tras trabajar en cine, series de televisión y especialmente en componer y
grabar tus propias canciones. ¿La Fuerza te acompaña?
Puede ser que la Fuerza está conmigo, ¡sí! He tenido un
montón de "momentos afortunados" en mi carrera... conseguir un papel
protagonista en la serie de un programa
de televisión australiano cuando tenía 14 años, ser elegida por George Lucas
cuando tenía 16 años de estar en las nuevas entregas de La Guerra de las
Galaxias, trabajar con unos músicos verdaderamente impresionantes, y sí, más
recientemente, la creación de música para cine y televisión. Siempre he querido
componer para películas y me siento muy afortunada por conectar con el gran
talento de Mark Kilian a principios de este año, con el que he trabajado en un
par de películas. Es tan, tan emocionante para mí escuchar mi voz y mis
melodías en ese medio, y un placer trabajar con alguien tan talentoso y hábil
como Mark.
Pero como compositora,
¿prefieres escribir historias de ficción, música para las historias de otros o sobre
experiencias personales?
En cuanto a lo que escribo, siempre necesito tener alguna
experiencia sobre ello... por lo que incluso si el contenido no es algo que he
vivido o experimentado exactamente, yo siempre trato de conectar con las
emociones humanas y las luchas humanas la cuales me parece que son universales.
Así que al escribir para el cine, puedo probar la emoción de la escena y lo que
los personajes están viviendo y quiero expresarme desde esa emoción. En general
solo escribo canciones que nacen de una primera sensación y las desarrollo al
situarme en esa emoción y ver lo que la
canción necesita. Es como emprender un viaje y me encanta la parte de
composición... ¡Nunca sabes lo que va a suceder!
¿Tienes un concepto espiritual
de la existencia?
He experimentado muchas cosas que no se pueden explicar o
describir. Como cuando me fui a la India para meditar durante un mes hace unos
años. Era muy bella y liberadora y me sentí conectada con partes de mi
existencia y de las que antes no había tenido experiencia alguna. Una de las
cosas más importantes en mi vida es seguir explorando mis profundidades y
liberar todas las partes de mí que he mantenido encerradas. ¡Así vivo experiencias hermosas y desafiantes! En cuanto
a los conceptos espirituales, he descubierto que en el pasado que me había
aferrado a creencias e ideas de las que realmente nada no se sabe a ciencia cierta. Estoy abierta a muchas
creencias e ideas diferentes pero trato de mantenerme abierta al
'desconocimiento' de todo. He pasado por muchas experiencias y enseñanzas para
llegar a ese punto de vista.
¿Qué piensas acerca de la
música como un medio para el descubrimiento, incluso de uno mismo?
Creo que es una excelente herramienta para eso. Para mí,
para expresar más y ser más honesta y auténtica, se necesita mucho trabajo para
despojarnos de todas las falsedades y romper las barreras. Creo que cantar es
una experiencia muy bonita y muy vulnerable. Especialmente cantar en vivo me
parece tan crudo y expuesto, que me ayuda a ver en qué aspecto todavía no estoy abierta , dónde todavía
estoy bloqueando mi expresión ... cuanto más trabajo sobre mí misma, más
abierta y libre en mi expresión me siento... cuanto más lo expreso, más
consciente soy de lo que he de mejorar. Música y crecimiento personal se
alimentan mutuamente de manera maravillosa. La música es sin duda una excelente
herramienta para ayudar a la gente a conocer sus sentimientos y acceder a
partes de sí mismos que tal vez habían olvidado. Puedes escuchar una pieza de
música y de inmediato te sientes profundamente conmovido e inspirado. Creo que
es increíble.
¿Y cuál es el peor aspecto en
el negocio de la música?
Creo que es muy triste cuando los artistas pierden su
camino por vender su alma al tratar de ser popular. Hay maneras de mantenerse
fiel a uno mismo y poder crear música accesible, pero a veces los artistas son
empujados a hacer cosas con las que no se sienten ellos y sacrifican su visión
y su verdadera expresión para tratar de encajar en un esquema. Creo que es
triste cuando sucede esto, pero por supuesto hay una responsabilidad personal y
se necesita mucha fuerza para permanecer fiel a tu propia visión. Al igual que
cualquier negocio, hay sombras, elementos furtivos que llegan a que la gente se
sienta engañada y estafada. Creo que es muy triste que la gente se comporte de
esta manera.
Una de las cosas buenas es
encontrar otros artistas con los que colaborar. En tu caso hablamos de artistas
como Jack Thompson, Eric Kaz, Bonnie Hayes y JD Souther. ¿Qué has aprendido de
ellos?
¡Sí! También Teresa y Pat Bunch- escritoras increíbles de
Nashville. Nunca fui a la escuela de música. Lo que aprendí lo estudié en la
secundaria y en mi tiempo libre, pero no obtuve una educación universitaria.
Así que en cierto modo, escribir con todos estos escritores increíbles me ha
educado en la composición. Se acercaron a mi mesa con toda una vida de
experiencia y éxito. He aprendido muchas cosas de ellos: estructura de las
canciones, progresiones de acordes, arreglos, cómo escribir melodías pegadizas
y accesibles, nuevas técnicas para dar con letras, etc. Y lo más importante que
aprendí fue a empujarme a mí misma a escribir cuando no tengo ganas. Yo solía
escribir sólo cuando me sentía inspirado, y he aprendido que si me siento y trabajo,
a menudo la inspiración viene, ¡sólo tienes que darle una oportunidad! Estoy
muy agradecida a Val Garay por presentarme a todos esos escritores increíbles.
Ahora estás grabando un nuevo
EP y presentas una campaña para obtener apoyo financiero suficiente para
hacerlo posible. ¿Podrías explicarnos cómo funciona?
Sí, hay varias plataformas de financiación, y por una
serie de razones opté por utilizar Indie
Go Go. Es una excelente manera de difundir la la música e invitar a los fans a
que te ayudaren a expresar tu visión de la vida. También me encanta ese aspecto
de háztelo tú mismo. ¡Así no tienes que ceder en tu manera de ver la vida! Puedes
conseguir el dinero por ti mismo y luego seguir adelante con la plena
propiedad. Me gusta mucho eso. ¡También me encanta saber que los fans recibirán
premios por sus contribuciones!
¿Qué tipo de canciones estás componiendo
ahora? ¿Intimistas o más enérgicas?
Escribo sobre lo que estoy experimentando en este momento
... así que a veces se trata de la soledad y el aislamiento, otras veces es la
gratitud y el amor profundo acerca de ... todas las cosas que he encontrado en
mi viaje de auto-descubrimiento. Y aunque mis temas son a veces oscuros, cada
vez más se acercan al color de plata y destellos de esperanza.
¿Qué es lo primero que te
gustaría ver al abrir la ventana?
Los rayos de sol.
¿Y cuándo sientes que has
llegado al "The Deep End"?
No parece haber un "fin" en "The Deep
End".
BONNIE PIESSE vídeos aquí
Una entrevista de Juan Carlos Romero
Bonnie Piesse website www.bonniepiesse.com
Plataforma de Bonnie Piesse Indie Go Go aquí para ayudarla a grabar su nuevo EP
Foto de Jennifer Stenglein
Todos los derechos reservados
MARTÍ PERAFERRER
Van Gogh
de Ever Blanchet
de Ever Blanchet
Decía Shakespeare por boca de Hamlet que
la cuestión era ser o no ser. Hoy en día ser o no ser se refiere sólo al éxito
económico, y a corto plazo, nada de largos recorridos. Pero el caso de Vincent
van Gogh no responde a nada de esto. Él fue pintor atormentado, traumatizado,
incomprendido y que vivió del subsidio familiar durante toda su vida. Ahora en
cambio cada obra suya puede batir récords en las subastas y todo el mundo sabe
que hay un pintor muy, pero que muy famoso, que se llama Van Gogh. Sin embargo
él acabó suicidándose y sin recibir elogios, más bien lo contrario.
Ever Blanchet escribió un monólogo
centrándose en sus periodos conflictivos, desde su crisis en Borinage, a los 27
años, hasta sus últimos instantes antes del suicidio a los 37 años. Esta obra
estrenada en el Grec de hace diez años, regresa ahora interpretada por Martí
Peraferrer para dejarnos ver cómo el sufrimiento personal y el camino creativo
llevaron a Vincent van Gogh a ser uno de los pintores más reconocidos del
mundo, eso sí, justo después de su muerte.
Texto de Juan Carlos Romero
Foto cortesía de Teatre Gaudí Barcelona
Todos los derechos reservados
TRANSMORPHINE
Vudú tierno
Transmorphine es el proyecto en solitario del músico belga Johan Swerts, quien vive en España desde hace veinte años. De las armas del corazón al vudú del sentimiento nacido en un pasado brillante y que se resiste a desaparecer, la música de Transmorphine brota como la vida misma a lo largo de las estaciones. Tiene sus inviernos, fríos y oscuros, obligando a la existencia a replegarse en sus moradas, a enfrentarse con su cosmos más reducido; y tiene sus primaveras, su renacer de las cenizas más grises para dar a luz verdes sonoros llenos de esperanza. Ahora se encuentra en el verano creativo, preparando nuevo disco y un set en directo, más allá de los sonidos electrónicos de sus producciones de estudio, fruto de la necesidad de tocarlo todo él mismo. De la soledad al grupo, de la libertad creativa absoluta a la colaboración, del programa a las cuerdas vocales, su paleta de sonidos está siempre abierta.
¿Qué es la música para ti?
Ahora la música es una forma de expresar mi mundo interior, la necesidad de expresarlo. Y sentirlo.
¿Pero si hablamos de la definición clásica de ritmo más melodía?
Trato de no pensar mucho en eso, verso, estrofa, estribillo, estrofa, verso solo de guitarra... que vaya como tenga que salir, como un pintor que pinta, yo hago música. No trato de agradar a nadie ni tampoco trato de impresionar con ritmos y solos de guitarra y otras cosas por el estilo.
Acústica, eléctrica, electrónica... ¿por qué decidiste trabajar principalmente con sonidos electrónicos?
Si siento la música, entonces es buena. Yo lo hago todo por mí mismo. Cuando comencé este proyecto pensé "¿qué es lo que necesito, sintetizadores, guitarra, algunos efectos y una caja de ritmos". Pero no estoy diciendo que nunca vaya a probar otra cosa.
Como bien sabes, mucha gente dice que un concierto de música electrónica no tiene nada que ver en comparación con uno acústico o uno eléctrico, a causa de las programaciones. ¿Qué piensas de esto?
Es cierto. Estoy trabajando en un set en vivo, ahora, y podría subir al escenario con mi portátil y tocar solo, pero estoy buscando 1 o 2 músicos / cantantes femeninas, estoy trabajando en ello. Pero habrá todavía un poco de programación. Tocar en vivo y hacerlo en el estudio son dos cosas diferentes. Quiero que el aspecto visual sea importante también en directo.
Tomando el título de una de tus canciones, ¿cómo describirías tu música: extraño o de una súper estrella?
Tengo más de bizarro de lo que pienso. Pero Superstar suena muy bien.
¿Cómo ves la escena musical actual?
Un poco en la distancia. No escucho muchas cosas nuevas que me gusten. Todo es producción en masa. Trato de buscar y encontrar en lo underground todo tipo de música.
¿Y encuentras lo que estás buscando?
En general, no. Es por eso que comencé con este proyecto, no he oído nada más que me guste realmente, así que empecé a hacerlo yo mismo, pero sí hay un par de cosas que me gustan. Descubrí una músico llamada Loan, del sur de Francia, me gusta lo que está haciendo.
¿Y entonces decides cargar tu arma y un disparar?
Je je cargué mi propia arma sí.
Esto fue en referencia a tu canción "And her loaded gun". ¿Escribes siempre sobre experiencias personales?
Sí. Creo que sí. Las mujeres, el cosmos, el sexo, los sueños, el amor, drogas, espacio, tierra, yo.
¿Nada más?
Eso es mucho. Al final siempre estos temas, sí. Soy yo. La parte que quiero mostrar de mí solamente.
"Under your skin I ride", otra de tus canciones, es una pieza casi instrumental. ¿Prefieres sugerir o explicar?
Sugerir, seguro. No me gustaría explicar el misterio, desaparece.
¿Cuál es el misterio detrás de "Voodoo for you"?
Una mujer. Ella será un misterio, siempre.
Cañones cargados, vudú para ti... ¿no hay espacio para la ternura?
Esa es la cuestión. Es todo ternura. El arma en "su arma cargada" es su corazón. El vudú es que todavía el sentimiento está. Eso es tierno. Todo es cuestión de amor.
Pero fácilmente se podría describir tu sonido como oscuro. ¿Es que no hay luz en el horizonte?
Sí hay, y mucha, pero no siento la necesidad de escribir sobre eso. Tengo que escribir sobre el otro lado. Y cuando canté “Higher” te juro que estaba muy arriba.
¿Cuáles son tus proyectos futuros?
Dar forma y terminar un set en vivo. Estoy trabajando en un CD completo. Y me encantaría orquestar el fin del mundo.
¿Y deseas llevarlo a cabo en directo (el fin del mundo, quiero decir)?
Si yo sigo aquí cuándo suceda, lo haré, todos ustedes podrán escucharlo en directo online.
¿Qué dirección artística tomarás en tu próximo álbum?
No lo sé. Eso es algo que está creciendo. Pero va a sonar como Transmorphine. Y eso es tierno.
¿Y qué es Transmorphine?
Yo.
Una entrevista de Juan Carlos Romero
Transmorphine website aquí
Artwork/Diseño gráfico de Ricardo Sendra Sáez
Todos los derechos reservados
BRIGITTE WALDACH
Juegos de la percepción
El arte de Brigitte Waldach es un camino intenso de percepciones diferentes. Nació en Berlín, donde estudió pedagogía y teoría del arte, y pintura con Georg Baselitz en la Universidad de las Artes en Berlín. Ella ha centrado siempre su creatividad en la forma de traducir nuestra percepción de la realidad con el fin de crear nuevas imágenes y espacios. A través del uso del color rojo en contraste con los espacios en blanco o vacíos, lleva nuestra mente a un ambiente completamente diferente siendo la experiencia con su obra el abrir una puerta que una vez cruzada nos hará traducir nuestras propias percepciones de la vida de una manera que nunca antes hubiéramos pensado. El color rojo, como el pulso de la vida, como un símbolo de la passion pero también de agresión, juega el papel principal en sus obras. Esa ambivalencia le da el elemento ideal para descubrir una nueva manera de traducir la información que recibimos de nuestros sentidos frente a la palabra, nuestra principal herramienta de comunicación que nunca es suficiente para expresar nuestra imaginación y nuestras emociones.
Con exposiciones de Buenos Aires a Seúl, Waldach ha disfrutado de recientes presentaciones en solitario en el Rogaland Museum of Fine Arts de Stavanger, Noruega, la Kunsthalle Emden en Alemania y en el Kunstmuseum de Kalmar en Suecia. Como consecuencia del reconocimiento a su talento, la Albertina de Viena y la Galería Berlinische en Berlín han incluido sus obras en sus colecciones. Recientemente ha presentado su proyecto Logical landscapes en el Garden of Zodiac en Omaha, EE.UU.
¿Cuál es tu paisaje personal?
Mis paisajes personales son algo abstracto, aunque, naturalmente, giran en torno al campo gravitatorio de las emociones humanas.El título de la imagen central, Logical landscape, parece ser una contradicción. ¿Puede ser posible un paisaje lógico? Las imágenes surgen con la ayuda del pensamiento, y un requisito previo del pensamiento es el lenguaje. En esta exposición, el lenguaje, es decir la filosofía y la literatura, organizan el espacio visual.
En tu caso, ¿el arte es tu manera de entender tu realidad actual o de crear nuevas realidades en contraste con la que estás viviendo?
Para mí, el arte es el intento de traducir, o, en cierto modo, de editar, la avalancha de imágenes que nos rodea en un sistema de orden diferente. Mi punto de partida es una de mis propias imágenes mentales o ya existentes (de los medios de comunicación) a las cuales doy una forma. Pero también en contraste con una cuota de la realidad que nos rodea.
En tu obra juegas con diferentes dimensiones espaciales. ¿Qué relación hay entre la realidad que percibimos y la perspectiva?
Mis dibujos son siempre un juego con la percepción. A veces son como un rompecabezas, en el que las perspectivas a lo largo de los diferentes niveles visuales parecen inclinarse. Esto también puede ocurrir físicamente en imágenes multifraccionales, que crean su propio espacio, tales como los dípticos de esquina.
El uso del color se reduce a un dominante fondo blanco y una presencia minimalista de gente siempre de color rojo. ¿Por qué representas nuestro entorno de un color blanco tan puro?
La habitación blanca, un poco segmentada, es como una bluebox: un espacio en blanco en escena que queda como superficie de proyección para el espectador. Cuanto menos especifico, más puedo expresar. Yo trabajo con códigos de colores: las personas son siempre de color rojo oscuro, mientras que las diferentes fuentes de texto se diferencian de acuerdo a la sombra. En ocasiones se incluyen otros colores, por ejemplo, azul para el agua, el verde de los bosques y gris grafito para los elementos arquitectónicos. El espacio de color blanco es como una matriz de un mundo recién creado cuyo creador es el espectador.
¿Dónde está el rojo de los seres humanos?
El rojo es su centro emocional.
¿Qué es un paisaje lógico?
Paisajes lógicos es un título compuesto. Por un lado se refiere a la obra de Ludwig Wittgenstein, Tractatus logico-philosophicus, que yo extraigo y que aparece aquí en su totalidad. Además, el trabajo no trata de paisajes específicos o esquemáticos ni de constructivos mapas mentales, sino más bien de bocetos.
Las nubes de palabras son también importantes en su trabajo. ¿En qué momento el lenguaje se convierte más en una jaula que en una vía de comunicación?
Como sugiere el término, son huellas visibles de un espacio ilimitado, más un fenómeno externo, ampliable en todas las direcciones. No veo el lenguaje como un sistema limitado y cerrado. Para mí, son las funciones del lenguaje sin que se le asigne a figuras concretas. Esto es lo contrario del principio lenguaje-imagen que se utiliza en los cómics. Aquí, en lugar de los "bocadillos", son "nubes de texto." No hay un esquema claro de emisor y receptor.
Según el Tractatus logico-philosophicus de Ludwig Wittgenstein, el mundo es lo que pasa y la realidad es aquello posible. Eso nos da un concepto del mundo y de la realidad en el cual la subjetividad es muy importante. ¿Cómo confrontas diferentes subjetividades desde tu propia percepción?
Creo que la percepción es un principio abierto, no sólo ocurre en un campo limitado. Esto significa que los límites de mi percepción permiten la posibilidad de otras impresiones subjetivas. A este respecto, la confrontación es sólo posible cuando abstraigo mi percepción y la concentro, como la instantánea de una imagen en movimiento.
¿Cuál es el lugar de los sueños?
Para mí, el lugar de los sueños es el lugar de la fantasía, donde ya no necesitamos nuestro pensamiento lingüístico para preparar una imagen.
BRIGITTE WALDACH | LOGICAL LANDSCAPES exposición aquí
Una entrevista de Juan Carlos Romero
Brigitte Waldach website www.waldach.com
Foto cortesía de Brigitte Waldach
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PARALLEL 41
Un sol en el interior de un túnel
Nuestro planeta está dividido
en meridianos y paralelos. Tal vez nadie os lo ha avisado, pero a lo largo del
paralelo 41 hay un terreno artístico, un lugar donde todas las puertas están
ahí tan sólo para ser abiertas y todas sus ventanas nos dan un lienzo en blanco
mental que necesita de una imaginación completamente libre para convertirse en
una experiencia sensorial múltiple. Parallel 41 es un lugar para jugar con
sonidos y luces, colores y melodías, un lugar para escuchar, un lugar para
hablar. Si entras en este paralelo, encontrarás a la violonchelista y
compositora Julia Kent, la voz y las grabaciones de campo de Barbara De
Dominicis, y el arte visual de Davide Lombardi. Son Parallel 41, en sus
propias palabras "Parallel41 no
existe. Se trata de una línea quebrada ... un camino nunca dibujado que sólo existe
en el pensamiento, soñado tal vez, como el sueño de un charlatán de mantener un
precario equilibrio sobre un alambre quimérico ...-vivido y olvidado
".
Fruto de la colaboración entre
estos artistas ha nacido un álbum de música basada en la improvisación,
trabajando a lo largo de la línea imaginaria que une Nápoles con Nueva York.
Por supuesto, tal experiencia multisensorial ha dado también a luz a una
historia en imágenes surgidas del marco de trabajo que los llevó en busca de
lugares interesantes donde grabar. Todas esas imágenes conforman la película Faraway so close de Davide Lombardi, que
se ha convertido en el diario de este viaje musical y en parte de la reflexión
de la banda sobre el espacio y el tiempo como conceptos relativos. En este viaje
musical utilizaron violonchelo, pedales, voz e imágenes, pero sobre todo la
casualidad y la inspiración dada por los diferentes lugares, muy presente sobre
todo en las grabaciones de campo. Los sonidos encontrados interactúan con el
violonchelo y algunos juguetes, dando a la idea de jugar para crear un papel
principal en todo el proceso. Granjas, túneles abandonados, fábricas y su creatividad
se mezclan en un proyecto listo para llevarte lejos.
En primer lugar, nos invitan a Une journée d'un sud sans soleil. Oímos
voces de una calle llena de gente y el violonchelo de Julia Kent suena como un
signo de esperanza. Pero de repente el violonchelo camina hacia una melodía
dolorosa y Barbara de Dominicis canta mientras se mete en un mundo que parece
estar derrumbándose. The naked city es un violonchelo envolvente
con una voz casi susurrándonos al oído, mientras diferentes ritmos flotan
alrededor y algunos sonidos caen como gotas de lluvia. A voiceless laughter viene con un pizzicato de Julia Kent y la
fragilidad de la voz de Barbara para llevarnos hacia unos ecos con el
violonchelo navegando en un mar de sonido melancólico. ¿Cuáles son los ojos de
los ojos? Esa pregunta es un mantra angustiante. Nos traen Eyes of eyes, que no es sólo el título de una de las canciones del
álbum, sino los ojos, las orejas y las manos a través de los cuales podemos
descubrir nuevas mentes, nuevos lugares, nuevos sentidos. En definitiva, las
nuevas formas de experimentar la vida.
FARAWAY SO CLOSE tráiler aquí
JULIA KENT | CROSS WORLDS una entrevista en NAU NUA aquí
Texto de Juan Carlos Romero
Parallel 41 website www.par4llel.org
Imagen cortesía de Parallel 41
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