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NAU NUA DICIEMBRE 2013



From the series I AM by Krzysztof CHAOS*olechnowicz
Photo taken with a mobile phone
Gdansk, Poland, April 2013 
© 2013 krzysztof CHAOS*olechnowicz 




SUMARIO

PORTADA  de la serie I am de Krzysztof Chaos-olechnowicz

ESBÓS

Krzysztof Chaos-olechnowicz
I am nowhere
NO RES

Paris
Paris Photo 2013


Foto de portada Krzysztof CHAOS*olechnowicz © 2013
Krzysztof CHAOS*olechnowicz website www.krzysztofchaosolechnowicz.tumblr.com
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NAU NUA NOVIEMBRE 2013






Amalie and Friend. Foto de Just Loomis. Noruega 2013
© Just Loomis. Cortesía de Galerie Hiltawsky
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HÉRA MÉNARD

Colores y sonidos








La vi en un vídeo cantando Lullaby tocando un ukelele y me dibujó una sonrisa tan fresca que aún permanece en mí. Ella es Héra Ménard, compositora, cantante y guitarrista de Quebec, y su Lullaby artística está volando llena de sensibilidad, como solista y también como miembro de The Rainbows, un grupo vocal de seis cantantes influenciados por el jazz y la música pop siempre en busca de arreglos sorprendentes. La música jazz es también una influencia muy importante para Héra, de hecho, ella tiene un grado en interpretación jazz y popular, pero sus composiciones en solitario están más cerca de los sonidos folk y country. También es Máster en interpretación por la Université Laval y está trabajando continuamente en nuevas maneras de enriquecer sus canciones con el fin de preparar su álbum de debut. Ha actuado en musicales como Annie en 2008 en la Salle Dina Bélanger de Quebec y ha sido galardonada con diversos premios en concursos musicales. De momento, podemos disfrutar de algunas de sus bellas canciones como Je pense encore à toi, Et si, Couleur noire, Les jours heureux, Les dernières heures y la sonriente, refrescante  pero también frágil Lullaby volando al ritmo del ukelele de Héra.

¿Cuál fue tu  primera canción?

Mi primera canción se llama " L'eau , l'air , la terre , le feu”. Yo tenía 15 años cuando lo escribí.

Jazz , folk , country , pop , teatro musical ... ¿dónde se encuentra Héra Ménard?

Mis composiciones se encuentran entre el country, el folk y el pop, pero me gusta mucho el jazz y me encanta el teatro musical, es sólo que no los compongo...

¿De dónde viene tu Couleur noir?

" Couleur noir " viene de una ruptura amorosa , pero creo que en última instancia se puede aplicar a cualquier situación en la que uno cree que todo está perdido y necesitamos esperanza, pero incluso la esperanza parece estar perdida. Es una canción en la que trato de ser positiva a pesar de todo .

Presentaste Les jours heureux al festival nau nua. ¿Eres una persona nostálgica?

¡Soy una persona muy nostálgica! Sin embargo, "Les jours heureux " no es especialmente nostálgica, habla de la falta de inspiración que siento cuando todo va bien en mi vida .

¿Ukulele o guitarra?

Si tengo que elegir, prefiero la guitarra... más posibilidades. ¡Pero el ukelele es más fácil de transportar!

Je pense encore à toi... ¿Has descubierto ya qué es el amor?

Soy una gran amante, ¡desde mucho antes de ser cantante ! Yo ya he descubierto el amor muchas veces, de diferentes maneras . Pero aún estoy aprendiendo... ¡y eso es lo que tiene de bueno! "Je pense encoré à toi " fue escrita para un amigo mío que sufría duramente una ruptura. Ahora, he vivido situaciones similares y soy capaz de cantarla identificándome con ella.

Et si ... no fueras músico , ¿entonces ?

Si yo no fuera músico ...¡ sería actriz !

¿Héra Ménard es más melodía o ritmo ?

Melodía . Aunque son bastante indisociables para mí.

Háblanos de tus proyectos futuros.

En un futuro próximo, está la idea del álbum, que espero se materialice muy pronto. Continuaré participando en algunas competiciones , los festivales . Hacerme ver lo más posible. Y a medio plazo yo diría que una floreciente carrera en todo Quebec y quizás en Europa , ¿quién sabe?

Deja volar tu imaginación. Si tuvieras una nave desnuda, ¿qué harías con ella?

Yo la vería como un barco que me habrían dado con carta blanca para hacer de él lo que quisiera... en mi caso , ¡sería un velero con el que querría dar la vuelta al mundo! Por supuesto, llevaría mi ukelele conmigo... ¡es más fácil de transportar!



Héra Ménard | Vídeos aquí


Una entrevista de Juan Carlos Romero
Héra Ménard website www.heramenard.bandpage.com
The Rainbows website www.therainbows.ca
Foto cortesía de Héra Ménard
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PAUS

Ao vivo






Desde Portugal nos llegan PAUS, una banda formada en Lisboa en 2009 por Hélio Morais , Fábio Jevelim , Joaquim Albergaria y MakotoYagyu . Dos baterías, un bajista y teclados que experimentan con el pop y los sonidos psicodélicos. Se presentaron en la Sala Apolo de Barcelona como parte de la Primavera Touring Party, primera edición de un festival en gira programado en Barcelona, ​​Zaragoza , Santander , Gijón , Santiago de Compostela , Valladolid , Londres , Burdeos , Valencia , Bilbao y Madrid. La actuación de PAUS fue una de las más interesantes de la apertura del festival en Barcelona que se había iniciado con Lee Ranaldo , Refree y Standstill . PAUS fueron los cuartos en tocar y mostraron un sonido potente que incluso toca elementos hardcore en algunos momentos. El concierto fue profundamente intenso creando una nueva experiencia respecto a la versión de estudio de las canciones y  siendo fieles al hecho de que cada concierto es un evento en vivo y la vida significa siempre cambio y la consiguiente evolución.


PAUS lanzó un EP de debut en 2001 titulado É uma água que abría con el tema Pelo pulso, una prueba perfecta de la potencia de la banda. Desde entonces, la banda sólo ha lanzado el álbum titulado PAUS en 2011 que alcanzó el número 3 en las listas de portuguesas y con magníficos temas como Bandeira Branca, más dominado por sonidos de teclado que crean atmósferas oníricas. El año que viene van a lanzar un segundo álbum y después de su actuación en Barcelona estamos seguros de que será un muy interesante paso más allá.


PAUS | É uma água. Escúchalo aquí


Texto de Juan Carlos Romero
Foto cortesía de Primavera Sound
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YOULIAN TABAKOV

Supervivencia de la belleza








¿Qué es el tiempo? Nunca hay un solo tiempo, ni siquiera un único paso del mismo. ¿Cuál es el tiempo que nos toca vivir? Tal pregunta emerge siempre como si estuviéramos a merced de la circunstancia, como si no pudiéramos actuar sobre ella de ninguna manera. Y sin embargo, no nos toca un tiempo sino unas personas que actúan de determinadas maneras, escudándose en el mínimo común mayoritario, simplón las menos, cruel las más.

De la reciente edición de L’Alternativa, Festival de Cinema Independent de Barcelona, que gracias al tiempo y la circunstancia de muchas personas nos llega puntual y benefactor como el otoño cada año al bendito CCCB, Centre de Cultura Contemporània de Barcelona, junto a otros espacios como la Filmoteca de Catalunya y el Institut Français barcelonés, me llevo en la memoria  un buen puñado de grandes maneras cinematográficas, aunque admito predilección por el documental Tzvetanka / Цветанка (Bulgaria / Suecia, 2012) escrito y dirigido por el búlgaro Youlian Tabakov. Muchos tiempos, ajenos y propios, hermosos los primeros y rastreros los segundos, se muestran en este devenir de una mujer búlgara, Tzvetanka, que sobrevivió tres regímenes políticos: de la monarquía a la democracia pasando por el socialismo en su vertiente dictatorial soviética, guerra mundial de por medio con su arrasador proceder por encima.

Tzvetanka es una mujer vitalista, imaginativa, constante, fuerte, cuya esencia debería hacer caer a muchos las caretas de vergüenza, aunque es bien sabido que tal circunstancia no se da en nuestros tiempos. Ella resulta ser la abuela del director, nacida en 1926 en una familia burguesa lo que le permitió asistir a una escuela privilegiada. Pero su condición afortunada fue su desgracia acabada la guerra mundial con la ocupación soviética. Sus padres fueron culpados de ser enemigos del partido y encarcelados. Aún así, ella consiguió permiso para estudiar medicina en la universidad. Su vida laboral fue tortuosa, llena de humillaciones, pero permaneció en su país a pesar de tener la oportunidad de abandonarlo. Su último día de trabajo fue justamente el día en que cayó el dictador. La llegada de la democracia trae también nueva corrupción, según ella políticos corroídos por la codicia, y mientras la nueva libertad se pudre su vista se va perdiendo poco a poco, al igual que se va apagando su propia llama vital.


Su gran sueño fue ser actriz y en la película tiene por fin la oportunidad de cumplirlo. Su presencia es absolutamente fantástica, casi el mayor mérito de la película. Rodada con imágenes de archivo y nuevas escenas grabadas con Tzvetanka que se entrelazan con secuencias animadas, la obra consigue un hálito vitalista a pesar de su gran contenido dramático: una hermosa vida atrapada en la crueldad del paso del tiempo a través de unos tiempos marcados por el fanatismo de muchos y la estupidez de casi todos.


Tzvetanka / Цветанка | Tráiler aquí

L'Alternativa 2013 | Selección de fotogramas exposición aquí


Texto de Juan Carlos Romero
Youlian Tabakov website www.youliantabakov.com
Foto cortesía de Tabakov Films
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NAU NUA OCTUBRE 2013

The suicide © 2013 Mandy Rosen



Portada de Mandy Rosen. The suicide © 2013 Mandy Rosen
Mandy Rosen photography www.mandyrosenphotography.com
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JULIA MARGARET CAMERON

La dulzura de la libertad



Julia Margaret Cameron (English, 1815–1879)
Zoe, Maid of Athens
1866 
Albumen silver print from glass negative 
The Rubel Collection, Purchase, Lila Acheson Wallace, Ann Tenenbaum and Thomas H. Lee, and Muriel Kallis Newman Gifts, 1997 
The Metropolitan Museum of Art (1997.382.38)




Se dice que su última palabra fue "belleza". Fue en Ceilán , donde Julia Margaret Cameron murió el 26 de enero de 1879. Sólo dieciséis años antes había comenzado su carrera como fotógrafa gracias a una cámara regalo de Navidad de su hija y su yerno. En seguida Julia Margaret se puso a trabajar con ella en busca de capturar toda la belleza a su alrededor, incluso diseñando nuevas formas de hacerlo, y, finalmente, creando nuevas y personales bellezas como resultado de sus fotografías, convirtiéndose así en una de los más grandes retratistas de la historia. Como escribió en su autobiografía inconclusa titulada Annals of My Glass House "Tenía ganas de capturar toda la belleza que existió antes de mí y al final el deseo se ha cumplido. Su dificultad aumenta el valor de la búsqueda".

Lo que se puede ver en la fotografía de Julia Margaret Cameron no es sólo un retrato. En efecto, y el efecto es una palabra muy apropiada en su caso, se experimenta una especie de aura de las personas retratadas, principalmente celebridades de la época y fotografías de temática artúrica y otras leyendas heroicas. En ambos casos nos encontramos con este tipo de efecto aura que nos da la sensación de entrar en el espíritu de los personajes. Es profundamente interesante el hecho de que ella admitió que no tenía conocimiento alguno del arte de la fotografía. Julia Margaret Cameron no sabía cómo enfocar un rostro, dónde colocar la caja oscura, y le llevó sus largas horas de experimentos el lograr su primera imagen. Pero en ese primer año, Cameron se convirtió en miembro de las Sociedades fotográficas de Londres y Escocia y amiga de artistas victorianos, poetas y pensadores. "Desde el primer momento he manejado mi objetivo con un ardor tierno", escribió, "y se han convertido para mí como en un ser vivo, con la voz y la memoria y el vigor creativo."1  David Wilkie Wynfield , pintor y fotógrafo británico , asociado con un grupo de otros artistas que llegaron a ser conocidos como St. John's Wood Clique, fue una de sus primeras referencias . Él le enseñó las técnicas básicas de foco suave y expresó su admiración hacia él por escrito "a mi sentimiento hacia su hermosa fotografía le debía todos mis intentos y por supuesto consecuentemente todo mi éxito " 2 .

Cameron desarrolló una fotografía basada en exposiciones largas a una luz casi cegadora cuidadosamente dirigida lo que creó una especie de efecto desenfoque que junto con permitir un ligero movimiento del retratado dio como resultado una obra llena de intimidad y que respira vida. Algunos de sus contemporáneos ridiculizaron su trabajo tratándola como a una aficionada, pero ella continuó una prolífica carrera con un sentido comercial muy desarrollado y el registro de cada una de sus fotografías con la oficina de derechos de autor y el mantenimiento de registros detallados. Gracias a esa actitud hoy todos podemos disfrutar de su trabajo artístico en retrospectivas como la actual en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York con piezas de cada uno de los tres cuerpos principales del trabajo de Cameron : retratos de hombres "grandeza del genio" , incluyendo al pintor GF Watts , el poeta Alfred Lord Tennyson , el científico Sir John Herschel, y el filósofo e historiador Thomas Carlyle; retratos de mujeres " grandeza a través del amor" , incluyendo a familiares , vecinas y personal de la casa  a menudo ambientados con temática literaria , histórica o bíblica, o la serie de escenografía como sus ilustraciones de los idilios del rey de Tennyson o la Anunciación en el estilo de Perugino. Nos dio belleza hasta el final.



Julia Margaret Cameron . Una selección aquí
Retrospective at the Metropolitan Museum of Art of New York


Texto de Juan Carlos Romero
Foto de Julia Margaret Cameron
Cortesía del Metropolitan Museum of Art of New York
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GEORGES VANTONGERLOO

La solidez del flujo



Georges Vantongerloo by Ernst Scheidegger. 
Photo by Ernst Scheidegger. © 
Ernst Scheidegger



George Harrison hace un tiempo cantó " estábamos hablando sobre el espacio entre todos nosotros [ ... ] la vida fluye dentro de ti y fuera de ti ." Era 1967, la canción se titulaba  Within you without you y aparece en el album Sgt. Pepper’s lonely hearts club band publicado por The Beatles. Ser consciente de la fluidez inherente a todos los sólidos como lo es a la existencia misma es una manera perfecta para descubrir la obra del artista belga Georges Vantongerloo.

Georges Vantongerloo nació en Amberes, Bélgica, en 1886. Estudió en las Academias de Bellas Artes de Amberes y Bruselas. Cuando comenzó la Primera Guerra Mundial, fue reclutado como soldado pero herido en un ataque con gas fue dado de alta del ejército y huyó a los Países Bajos, donde en 1916 conoció al artista holandés Theo van Doesburg , cuyo en ese momento ideal en la pintura era la completa abstracción de la realidad. Los Países Bajos se declararon neutrales durante la guerra , así que era muy difícil de abandonar el país después de 1914 y los artistas holandeses se vieron aislados del principal centro de la actividad artística de la época, París. Lo mismo ocurrió con los artistas extranjeros que se encontraron en los Países Bajos durante la guerra sin poder regresar a sus propios países. Theo van Doesburg comenzó a buscar otros artistas para crear una revista y empezar un movimiento artístico. Junto con Georges Vantongerloo y otros como el pintor holandés Piet Mondrian o el húngaro Vilmos Huszár , firmaron en 1917 el manifiesto De Stijl también conocido como movimiento del neoplasticismo . Defendían la pura abstracción y la universalidad mediante una reducción a lo esencial en formas y colores. Simplificar las composiciones visuales en las direcciones vertical y horizontal fue uno de sus propósitos y junto al uso de los colores primarios con un papel principal del blanco y el negro se convirtieron en herramienta básica .

Georges Vantongerloo desarrolló su trabajo en la pintura y la escultura siguiendo los conceptos abstractos y jugando con volúmenes y líneas, incluyendo estudios matemáticos con el fin de crear armonías de colores y formas. Su trabajo como arquitecto está perfectamente integrado en sus pinturas y esculturas. La ciencia y la tecnología se encuentran así profundamente presentes no sólo en la forma final de su arte sino también en todas las reflexiones que hay tras él. Esto se puede deducir fácilmente de su obra Composition émanante de l'équation y=-ax 2 +bx+18 avec accord de l'orangé-vert-violet de 1930. Con los años , el trabajo de Vantongerloo se acercó al movimiento y las ondas y comenzó a crear espacios más abiertos que dan al observador la sensación de libertad.


Finalmente, Georges Vantongerloo trabajó con los límites porque estaba buscando el infinito , percatándose de que fluído y sólido no son circunstancias diferentes. Murió el 5 de octubre de 1965 en París.

Georges Vantongerloo | Un anhelo de infinito. Una selección aquí
Retrospectiva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía



Texto de Juan Carlos Romero
Foto de Ernst Scheidegger
Cortesía del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid
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RETRIBUTION GOSPEL CHOIR

La sombra roba la luz








Retribution Gospel Choir, el grupo de rock formado por Alan Sparhawk (guitarra, voz , sampler) , Steve Garrington (bajo), ambos miembros también del grupo Low , y Eric Pollard (batería y voz) , está de vuelta con 3, nuevo álbum con sólo dos canciones que siguen el espíritu de composiciones e interpretaciones densas y de alto voltaje infundidas por clásicos riffs rockeros, en contraste con el sonido más minimalista de Low. Retribution Gospel Choir debutó en 2005 como proyecto fundamentalmente en vivo encabezado por Alan Sparhawk y Mark Kozelek de Low. Desde su álbum debut homónimo lanzado en 2008, con Kozelek no ya como miembro del grupo sino como productor, el cual abría con They knew you well, el sonido de Retribution Gospel Choir ha ido creciendo y ha logrado una personalidad específica más allá del proyecto Low. Ahora están de gira presentando el reciente 3 que incluye los temas Can’t Walk Out y Seven, y hemos tenido la oportunidad de entrevistar a Alan Sparhawk .

El primer tema es Can’t Walk Out. ¿De dónde y por qué no puedes salir ?

De aquí. He llegado demasiado lejos para dar marcha atrás.

 En cuanto el nombre retribution (castigo).¿Por qué un castigo y para quién?

Una vez que la obra está hecha, la única forma de pagar es un castigo. No se puede volver a como era antes. Retribution para nosotros es la única esperanza para los iluminados.

 Tercer álbum, ¿cómo ves vuestra evolución artística?

Nos ha llevado todo este tiempo en nuestras grabaciones para reflejar lo que sucede en el escenario. Pensábamos que estábamos tocando canciones, pero estamos tocando el viento.

Su álbum debut se abrió con They knew you well . ¿Aspiras a ser bien conocido o prefieres el misterio?

Todo el mundo quiere ser amado y comprendido, pero quieren ser amados más que entendidos.

 Su sonido crea atmósferas siempre densas y oscuras. ¿Mentes sin esperanza?

 No, no sin esperanza. Violentas y con miedo, pero no desesperadas.

 ¿Por qué gritasteis ¡Revolución! en vuestro EP del 2012?

Me inspiré en los disturbios en Barcelona un par de años - los jóvenes siguen yendo a la calle, ponen su cuerpo como prueba, son las personas que se enfrentan al monolito imposible.

En vuestro último álbum incluís tan sólo dos temas. ¿Cómo fue el proceso de creación?

Empezaron como ideas simples. Dimos una serie de conciertos en un mes cuando trabajábamos en las canciones. Cada noche, las canciones se hacían más y más largas, el aire se detuvo.

En Seven cantas Look at your shadow you feel like an animal. ¿Esta sombra es el peso del pasado?

La sombra te recuerda que tu propia existencia afecta al mundo a tu alrededor - incluso tu sombra le roba la luz y altera el curso del tiempo. Tu sombra es tu otro yo.

Nels Cline toca la guitarra en este tema, y el resultado es magnífico. ¿Cómo fue la experiencia?

Un día Wilco tocaba en la ciudad - llamamos Nels y lo secuestramos después de la prueba de sonido. Se enchufó y empezamos a tocar la canción todos juntos en la sala . Una hora más tarde, terminamos la canción y devolvimos a Nels a su concierto. El disco es una edición de los primeros 25 minutos de una toma de una hora de duración. Hay un montón de grandes momentos más adelante en la canción, pero la "curva de aprendizaje" en la primera mitad parecía la más interesante, así que eso es lo que se escucha en el disco.

 ¿Y el cuarto?

Tengo algunas canciones nuevas, pero son demasiado controvertidas para grabarlas . Veremos.


Y nosotros lo esperaremos.




Una entrevista de Juan Carlos Romero
Foto cortesía de Retribution Gospel Choir
Retribution Gospel Choir website www.retributiongospelchoir.com
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NAU NUA SEPTIEMBRE 2013





Portada obra de Núria Piferrer. Sense títol © 2011 Núria Piferrer
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CRISTINA IGLESIAS

El espacio y sus elementos



Cristina Iglesias in the Cristina Iglesias. Metonimia opening
at the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 2013. 

Foto de Joaquín Cortés / Román Lores



Bajo el título Cristina Iglesias . Metonimia el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid abría la pasada primavera la mayor retrospectiva dedicada a la artista de San Sebastián. Artista de gran reconocimiento internacional especialmente tras su participación en la exposición colectiva The sublime void en Amberes en 1983 junto a artistas como Gerhard Richter o Kounellis, su carrera se ha desarrollado en el laberinto del espacio, físico y metafórico. Nacida en 1956, expresó que la exposición ha representado “una experiencia buenísima. Siempre me ha preocupado hacer una obra que sea sensible al espacio que ocupa y el Reina es un espacio que parece un gran monstruo rígido y, sin embargo, abriendo ventanas y moviendo paredes puedes hacer que sea otro”.


La metonimia consiste en algo más que un juego de espejos, como dice su autora “la metáfora es el extremo de la metonimia”, el espacio entre la causa y el efecto, jugando con estos, se convierte en masa moldeable. “Una de mis grandes preocupaciones es despertar los sentidos y crear en el espectador una gran experiencia” y así a través de treinta esculturas, algunas de ellas de más de nueve metros de longitud, realizadas en muy diversos materiales (bronce, hierro, cemento, cristal, hormigón...) la experiencia se viste con nuestra circunstancia y nos lleva a la cuestión del espacio interior y personal encerrado en la construcción externa, nuestra vestimenta para la ocasión y en cómo nuestra adaptación está más orientada a la estructura que al espacio, más a la apariencia que a la esencia de nuestros elementos. ¿Por dónde corren nuestros vientos?. “Hay preocupaciones que están en el arte. Hoy vivimos un momento muy difícil en el que la metáfora puede tener un papel y creo en el combate de defender que el arte es importante, que los ciudadanos puedan entrar en una nueva experiencia que les haga pensar en cosas que además te llevan a ti mismo. Yo tampoco doy mensajes, creo lugares y los lugares son muy abiertos a que cada cual tenga una experiencia según venga él o ella.” Y venimos distintos a como nos vamos, lo cual no implica que vayamos a aplicar lo aprendido ni que las preguntas surgidas en los casos que vayan algo más allá de la estética se lleven algún esfuerzo por nuestra parte para ser respondidas o alguna respuesta fuera del molde que arrastramos desde hace años a fuerza de miedos e intereses, es decir, de nuestra propia naturaleza. Y la naturaleza y nuestra adaptación a ella es también clave en las reflexiones de Cristina Iglesias sobre su obra: “La naturaleza y la ciudad, la natura y la cultura, es un núcleo central de la representación en la pintura y la escultura. Yo creo ficciones en las que quizá la referencia a la naturaleza era el extremo de crear ficción, recrear un motivo que no existe como tal en la naturaleza con trazos que sí existen en ella pero los utilizo para crear otra cosa”. Otra cosa que podemos ver, oír y callar, o vanagloriar como escaparate de nuestra supuesta cultivación, o bien como punto seguido para escribir nuevos renglones por los que nuestros vientos soplen a sus anchas. La obra de Cristina Iglesias es ante todo transformación del espacio interno para abrirlo al mundo. 

Cristina Iglesias. Metonimia. Una selección aquí


Texto de Juan Carlos Romero
Foto de Joaquín Cortés / Ramón Lores
Cortesía del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
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ELEANOR FRIEDBERGER

Su propio mundo y otros espejos








Sí, lo es. Eleanor Friedberger es el pasado, el presente y el futuro. Desde los primeros días siendo la mitad del dúo de indie rock The Fiery Furnaces, junto a su hermano mayor Mateo Friedberger, publicando su álbum de debut Gallowsbird's Bark en 2003 y su último, por ahora, de nuevas canciones titulado I’m going away en 2009, el talento de Eleanor Friedberger ha crecido del papel de vocalista a compartir las tareas de composición y desarrollar una carrera en solitario. Su álbum de debut en solitario fue Last summer (2011), muy bien recibido por la crítica. Ahora publica Personal record (2013), escrito junto al novelista y cantante de folk John Wesley Harding. Arreglos de pop rock clásico con el toque personal de Eleanor Friedberger, siempre elegante, inteligente y poderosa. Esta es su voz presente, son sus líneas más actuales y el futuro nos traerá más y probablemente incluso mejores signos de su talento.

El álbum abre con "I Don't Want to Bother You" ¿No quieres molestarnos?

¡No quiero molestarte! Ese es el punto, es el sentimiento opuesto. "Bother" es una palabra divertida. Por lo general no se asocia con el amor, es mucho más frío y creo que es una buena manera de empezar un álbum porque estoy hablando directamente a los oyentes extraños.

¿Por qué tu último disco es tu primer disco personal?

Supongo que es porque me siento más segura que nunca. Puedo ser lo suficientemente valiente para decir que es mi "Personal record”.

“That was when I knew I was wrong”.  ¿Cuál fue el error?

El error es pensar que alguien estaba bien antes. Se trata del momento de epifanía, cuando te das cuenta de conectar con alguien. Pensabas que sabías, hasta que – ¡BAM! - te das cuenta de que estuviste equivocado todo el tiempo: sobre la vida, el amor, lo que sea.

El sonido del álbum es bastante confortable y tranquilo, incluso en I’ll never be happy again en la que cantas Love is an exquisite kind of pain. ¿Otro error?

No nos equivoquemos al respecto.

El disco me recuerda a los años setenta y además cantas I’m the past, obviamente, la canción no hablan de esto, pero ¿crees que la música rock clásica siempre será el mejor momento que jamás hayas probado?

Yo sí creo que la música rock de la década de 1970 es la mejor música rock que se ha grabado nunca. Creo que yo jamás podría hacer nada mejor, ni que nadie pueda. Nadie que esté tratando de jugar en ese estilo por lo menos. Pero creo que es importante que la gente tenga contemporáneos a los que escuchar y mirar.

She’s a mirror juega magníficamente con la ambigüedad de lo que realmente somos, si alguien lo sabe, y lo que parecemos ser. ¿Quién eres tú?

Ese es un buen resumen de la canción, ¡pero una pregunta difícil! Soy todo lo que esa canción describe.

Escuchándote cantar Leave me in my own world me pregunto ¿qué piensas de la soledad?

Yo realmente no tengo ningún problema con ella. Me gusta estar sola tanto como me gusta pasar tiempo con los amigos, a veces incluso más. Nunca he tenido un problema con hacer las cosas por mi cuenta.

Tras tu canción Singing time, ¿crees que vivimos en un tiempo de canto?

No estoy segura. Probablemente. Parece que más personas que nunca están cantando, como parte de la cultura popular. Todo el mundo quiere ser cantante. Pero, más en consonancia con el sentimiento de la canción, yo diría que no: el tiempo del canto ha terminado. Los buenos tiempos están más o menos acabados, yo diría. ¡Las cosas siguen empeorando!

¿Cómo ves ahora tu Last summer?

"Last summer" fue un montón de tiempo perdido. Probablemente debería haber registrado mi disco entonces, en lugar de esperar hasta octubre. Supongo que necesitaba un descanso de toda la gira, pero siempre es mejor que seguir trabajando, a menos que tomes unas vacaciones de verdad, que no lo hice.

 ¿Nos podrías explicar un sueño?

Anoche soñé que la policía había precintado  mi casa como si mis vecinos de abajo hubieran cometido algún crimen y hubieran huído del país. No podía creer que pudieran hacer algo tan malo. Intenté recoger el correo del buzón y la policía me hizo pasar un momento muy difícil. Y un montón de gente me pidió que firmara algunos de sus carteles. Cazadores de autógrafos.



Una entrevista de Juan Carlos Romero
Eleanor Friedberger website www.eleanorfriedberger.com
Foto de Roger Kisby cortesía de Merger Records
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